20 canciones de Nueva York: retrato musical de la ciudad en el 25 aniversario del 11S

Por: El Giradiscos.

Hace 25 años ocurrió algo que transformó el mundo contemporáneo: dos aviones comerciales, secuestrados previamente por terroristas de Al-Qaeda, fueron estrellados contra las torres gemelas del World Trade Center de la isla de Manhattan en Nueva York provocando la muerte de casi 3.000 personas, y de muchas otras que hoy sabemos que fallecieron por culpa del aire tóxico que respiraron. La respuesta de EE.UU. y sus aliados occidentales resultó tan errática, precipitada y criminal que aquellas víctimas civiles desgraciadamente fueron las primeras de muchas otras que fallecieron después en otros países en las invasiones posteriores realizadas bajo el pretexto de la lucha contra el terrorismo.

Con motivo de la conmemoración del 11S o el 9/11, El Giradiscos se ha propuesto recordar algunas canciones que han contribuido a la historia cultural y política de esta urbe que vivió el peor día desde su fundación. Nueva York ha tenido un papel crucial en la historia de la música popular. Parece que cualquier movimiento ha ocurrido allí antes de que ocurriera en cualquier otro sitio, así es la voracidad de esta ciudad, la energía inagotable que desprende y se adueña de sus habitantes y la prisa por llegar antes al futuro. Todo ello se detuvo abruptamente aquel día despejado a las 8:45 de la mañana.

“New York, New York”, Frank Sinatra ( "Trilogy: Past Present Future", 1980) 

Por más que sea obvio incluir esta canción en nuestra lista, no es menos justo hacerlo en virtud de la importancia que tuvo Frank Sinatra y las orquestas de “standard songs” que le acompañaron fabulosamente en la época dorada de New York después de la posguerra, una vez que USA se recuperó del esfuerzo bélico y la ciudad brilló de nuevo, aupada por el bienestar y la fiebre del consumo, y se convirtió en una ciudad feliz donde cualquier cosa era posible. Esta canción no se grabó en esta época sino en 1977, una época mucho más difícil, para la BSO de la película del mismo nombre dirigida por Martin Scorsese, uno de los directores que mejor ha retratado esta ciudad y sus claroscuros. Y fue compuesta para Liza Minelli, aunque la Voz se encargó de popularizarla más adelante. Es muy revelador que la canción más representativa de esta ciudad sea interpretada por un descendiente de inmigrantes italianos. Resulta inquietante comprobar que mientras Nueva York disfrutaba de sus mejores años, desde Washington los gobiernos estadounidenses llevaban a cabo acciones militares en todo el mundo contra pueblos soberanos, contribuían a derrocar regímenes democráticos, financiaban a dictadores y se apoyaban en dudosas milicias para defender sus intereses económicos y combatir a sus enemigos en todo el mundo. Estaban preparando sin saberlo el terreno para que el odio cambiara de bando.

"Spanish Harlem", Ben E. King ("Spanish Harlem, 1961)

El barrio de Harlem en los años sesenta fue uno de los grandes epicentros de la "black music" con el Teatro Apollo como centro neurálgico. Por allí desfilaron las grandes estrellas del soul - Sam Cooke, Ray Charles, Otis redding, Aretha Franklin o el magnífico James Brown con su legendario álbum en directo - demostrando el poder de un barrio que acogía minorías raciales como los afromericanos pero también los latinos en la denominada "Spanish Harlem". Un barrio inmortalizado por Jerry Leiber y Phil Spector en esta canción que saltó a la fama cantada por un Ben E. King que se crió y sintió el poder de sus calles. 

“Stray Cat Strut”, Stray Cats ("Stray Cats", 1981)

Del encuentro de la ciudad del punk con el viejo rock and roll primigenio saltaron chispas. Nueva York también fue el lugar donde el rockabilly revivió con garras afiladas y un ronroneo irresistible. En los callejones de Long Island, tres jóvenes rebeldes, Brian Setzer, Slim Jim “Phantom” y Lee Rocker, armados con un contrabajo y una guitarra de caja dieron vida a los Stray Cats, antes de dar el salto al epicentro de la escena artística de la ciudad. Su carta de presentación, “Stray Cat Strut”, encapsuló a la perfección ese deambular nocturno, felino y descarado por los barrios de la mítica, mezclando el eco del rock and roll de los cincuenta con la urgencia y el descaro del punk callejero que imperaba en la city. Fue el sonido de una ciudad que, incluso vistiendo de cuero y tupé, nunca dejaba de balancearse con un groove puramente neoyorquino.

"New York Tendaberry", Laura Nyro ("New York Tendaberry", 1969)

Cada persona cuenta con su propio itinerario que le hace conectar emocionalmente con su ciudad. Los pasos repetidos, las mismas paradas y los mismos carteles ofician de guía de viaje repetitivo pero sanador. Un recorrido que nace, en muchas ocasiones en la infancia, y que se extiende ya a lo largo de toda nuestra vida; incluso cuando estamos alejados geográficamente, nuestra mente sigue girando por bocacalles y tomando los desvíos que conducen a ese espacio sanador. La música de Laura Nyro, proclive a los cambios de ritmo y a la percepción de la atmósfera como un instrumento más de su catálogo, recorre, emitiendo ese constante salto de frecuencias, la ciudad de Nueva York en un poema sonoro donde su cartografía rutinaria es también un emocionante retrato biográfico.

“Horses”, Patti Smith (“Horses”, 1975) 

Patti Smith no nació en New York. Esta ciudad está hecha de extraños que buscan su lugar en el mundo en la “ciudad que nunca duerme”. Patti no lo tuvo fácil en sus calles. Junto a su inseparable Robert Mapplethorpe, se peleó con la ciudad hasta que esta le dio una oportunidad. Levantó acta de ello en el inolvidable “Just KIds”. “Horses” es, tanto en su fondo como en su forma, el mejor ejemplo de la contracultura estadounidense que anidó en las calles de New York. En la Universidad de Columbia de esta ciudad coincidieron Jack Kerouac, William Burroughs y Allen Ginsberg. La recitación inicial de Patti Smith es sobrecogedora, y se dirige al galope hacia el clímax, aupada sobre un millar de caballos impulsada por una determinación que produce escalofríos.

“Marquee Moon”, Television ("Marquee Moon, 1977)

Liderados por Tom Verlaine y Richard Hell, en sus inicios el grupo convirtió el mítico escenario del CBGB en un laboratorio de guitarras afiladas y poesía neoyorquina. Su obra maestra, “Marquee Moon”, es un viaje hipnótico de más de diez minutos que evoca el pulso de los callejones oscuros de Manhattan, los reflejos del neón sobre el asfalto mojado y el deambular místico bajo los muelles de la ciudad. Con sus líneas de guitarra entrelazadas como rascacielos de sonido, la canción no solo definió el post-punk, sino que capturó el alma más intelectual, noctámbula y vanguardista de la “Gran Manzana”.

"Manhattan Rock", Elliot Murphy ("Lost Generation", 1976)

Uno de los grandes cronistas de la "Gran Manzana" es sin duda el rubio de Long Island autor de canciones como "Manhattan Rock" incluida en su disco "Night Lights" (1976). Con ella, Eliott quiso retratar la dureza de triunfar en la música en el caos de su ciudad, contrastando las dificultades de las calles con esa riqueza y opulencia de algunos de sus habitantes. Son algunas de las contradicciones de esa ciudad tan maravillosa.

"Chelsea Hotel #2", Leonard Cohen ("New Skin for the Old Ceremony", 1974) 

Toda ciudad se debate, por lo menos hoy en día, entre la exposición turística y el resguardo de su identidad verdadera. Dos aspectos que pueden llegar a confluir gracias a la existencia de edificios emblemáticos, como el que da título a esta canción y que fue el lugar de residencia de un catálogo repleto de talento artístico. Junto a Bob Dylan, Mark Twain, Charles Bukowski, William S. Burroughs o Arthur Miller, entre muchos otros, Leonard Cohen fue también uno de sus moradores y, además, responsable de esta preciosa misiva musical, como es habitual en el compositor canadiense, llena de segundas lecturas, porque su dedicatoria a otra ilustre habitante de aquellas paredes, con rasgada voz y que responde al nombre de Janis Joplin, es al mismo tiempo una fábula donde la fama o las sábanas deshechas son metáforas empleadas para retratar una época tan brillante en su fugacidad que todavía resplandece.

“My City of Ruins”, Bruce Springsteen (“The Rising”, 2002)

No había pasado un año de los atentados cuando The Boss publicó “The Rising”, “el resurgir”, que pretendía levantar el ánimo de una “ciudad en ruinas”. Es la ciudad donde grabó “Born in The USA”. Este álbum ha ganado importancia en la trayectoria del músico con el paso de los años. En él reniega de la retórica vengativa que se apoderó de la administración norteamericana y de buena parte de su país. La canción toma prestada a Curtis Mayfield, la melodía de “People Get Ready” (1965). Proponemos la siguiente versión en directo grabada en Barcelona en 2002. Es imprescindible escuchar y ver la intro al piano de Springsteen y la intensa actuación de cada uno de los miembros de la E Street Band, incluido el añorado Clarence Clemons. Bruce se ha convertido en los últimos años en uno de los músicos que ha presentado una oposición más firme a Donald Trump y a la deriva autoritaria de su gobierno. Nueva York es, por cierto, la sede del imperio económico del actual presidente de los EE.UU., pese a la animadversión recíproca que hay entre la ciudad y Trump.

“Spanish Stroll”, Mink DeVille ("Cabretta", 1977)

Ya hemos comentado que en el corazón del Lower East Side, existió un lugar para el eterno recuerdo llamado CBGB, el epicentro del sonido de un sinfín de grupos que consiguieron remover los cimientos no solo de la ciudad sino también de la música internacional. Una de aquellas bandas respondía al nombre de Mink DeVille y eran dueños de un sonido crudo, mezcla de punk, rock, R&B y doo-woop, que presentaban en directo envueltos en un aura elegante, canalla y llena de romanticismo. Rosas y espinas que emanaban de la cruda voz que aportaba su carismático y añorado líder, Willy DeVille. Su contribución a esta lista se llama “Spanish Stroll”, un himno urbano con sabor a asfalto, imbuido del orgullo hispano y del pulso nocturno de la popular urbe, para demostrar que el sonido de la misma se escribía con acento callejero, cadencia latina y grandes dosis de chulería.

 

“New York City”, John Lennon (“Some Time in New York”, 1972) 

En el verano de 1971, John Lennon se estableció, por fin, en NY junto a Yoko Ono. Según sostiene Juanjo Ordovás en su biografía, el miembro de los Beatles confesó al “New York Times” que le hubiera gustado nacer en NY. 10 años después murió tiroteado en la misma ciudad al salir de su apartamento. En esta ciudad pisó deliberadamente todos los charcos que estuvieron a su alcance. En el año 72, durante el siniestro reinado de Nixon, publicó el disco “Some Time in New York” en el que no había tema político por controvertido que fuera sobre el que no ofrecía su punto de vista siempre comprometido, inteligente y mordaz. “The troubles” de Irlanda, el inhumano sistema penitenciario americano, o la misoginia generalizada fueron objetos de sus críticas. Yoko Ono tuvo una participación decisiva en el disco, además de la banda a la que bautizaron como Elephants Memory, reclutaron también a su antiguo compañero George Harrison, a Eric Clapton, y a Keith Moon. No faltó a la cita ni siquiera el peligroso productor Phil Spector. Es un disco absolutamente norteamericano en el que Lennon rinde tributo a todos los géneros musicales que nacieron en este país en las dos décadas anteriores. Estuvimos tentados de elegir la salvaje “Woman Is The Nigger Of The World”, pero resulta más apropiado decidirse por “New York City”, que con tanto acierto evoca la vitalidad de esta ciudad.

  

 “Personality Crisis”, New York Dolls ("New York Dolls, 1973)

¿Qué puede representar más a una ciudad que incluirla en el nombre de una banda? Solamente se me ocurre una respuesta. Las propias New York Dolls. Nueva York en los primeros años setenta no era una postal idílica, sino un organismo peligroso, sucio y fascinante a partes iguales. Nadie supo traducir mejor esa decadencia urbana que los New York Dolls, cinco provocadores con tacones y rímel corrido que inyectaron urgencia callejera al rock and roll tradicional. Su icónica “Personality Crisis” se convirtió en el espejo perfecto de la época, aunque la letra aborda el colapso y el vacío existencial del individuo, su ritmo espasmódico, sus guitarras chirriantes y su piano desbocado fueron la banda sonora perfecta del East Village. Un terremoto en sí mismas al que en primera instancia solamente supieron apreciar unos pocos paladares escogidos, cuyos ecos, sin embargo, llegaron bien lejos, concretamente hasta el extrarradio madrileño, contando con unos alumnos de lo más aventajados en La Elipa.

“Walk On The Wild Side”, Lou Reed ("Transformer", 1972)

Un año después del 11S el periodista corresponsal Enric González mantuvo una charla con Lou Reed muy cerca de su apartamento, en un restaurante de la Décima Avenida junto a la 14; lo cuenta en su libro “Historias de Nueva York”. El músico le confesó que “le hacía falta más distancia” respecto a lo que había ocurrido, y que, sorprendentemente, los ciudadanos de Nueva York albergaban menos resentimiento, miedo y paranoia que los estadounidenses de la América suburbial, “que como todo el mundo sabe odia Nueva York”. Dice el gran periodista español, que Lou Reed (junto a Susan Sontag) fue una de las pocas voces públicas que intentó ver las cosas con perspectiva y (como Sontag) fue acusado de traición por ello”. Asociaciones de víctimas neoyorquinas como “Peaceful Tomorrows” también denunciaron las represalias e invasiones que el gobierno emprendió de forma injusta e inmoral en nombre de las víctimas. Esta canción inconmensurable refleja mejor que ninguna otra la cara más desinhibida de Nueva York, la de la experimentación sexual y las drogas duras, y retrata los personajes que habitaban la noche americana y se dejaban caer en The Factory, atraídos por el imán de Andy Warhol

  

"NYC Ghosts & Flowers", Sonic Youth ("NYC Ghosts & Flowers", 2000)

Una de las grandes formaciones surgidas de las salas de NY es sin duda los Sonic Youth. Revolucionarios y contraculturales, han cantado mucho sobre su ciudad, con gemas como esta en la que Lee Ranaldo narra de forma poética - y encima de una tormenta eléctrica creciente - sobre la historia subterránea y artística de la ciudad, con especial referencia a los poetas de la Generación y a los artistas bohemios que han ido moldeando un tejido cultural inigualable.

"An Open Letter to NYC", Beastie Boys ("To the 5 Boroughs", 2004)

Del mismo modo que ningún cuerpo humano es el mismo tras sufrir en sus huesos el paso de una grave enfermedad, igualmente sucede con algunas localidades a lo largo del planeta sacudidos por episodios terroríficos. Por desgracia, son muchos los enclaves definidos y recordados por el humo de las bombas, un mortuorio relato histórico del que no está a salvo tampoco Nueva York. El ataque a su emblemas, las "torres gemelas", fue en paralelo el amanecer a una pesadilla de la que, también desde el arte, se siguen intentando despertar. El híbrido de géneros que son Beastie Boys en sí mismos, puso sus rapeados y su ágil verbo para homenajear a una ciudad, que al igual que sus mestizo ritmos, son una unión de inmigrantes que luchan y sobreviven en las largas horas de metro. Resiliencia y cultura popular al unísono enfrentada al fanatismo, el propio y el ajeno.

“Blitzkrieg Bop”, The Ramones ("Ramones", 1976) 

El punk rock es neoyorquino por más que le pese a los británicos. Los Ramones tuvieron la culpa. Unos chavales desnortados de Queens no se lo pensaron dos veces y se subieron a un escenario a echarle en cara a la generación anterior que ya no tenían nada que decir. Que ahora les tocaba a ellos. Fue un “ataque relámpago” sobre New York, como dice el título de “Blitzkrieg Bop”, demoledor musicalmente. Un golpe de suerte, al contrario de lo que supusieron los ataques de 2001.

"Summer In The City", Lovin' Spoonful ("Hums of the Lovin' Spoonful", 1966)

La respuesta a los sonidos californianos de los sesenta (encarnados sobre todo por los Beach Boys) llegó de la mano de uno de los habituales de la escena folk del Greenwich Village como John Sebastian quién saltó a la fama con su banda de rock Lovin' Spoonful. La canción narra e forma desenfadada la dureza térmica de los veranos en la Gran Ciudad incluyendo efectos sonoros de claxon de coche.

 "New York City Cops", The Strokes ("Is This It" 2001)

A principios de milenio y justo antes de la tragedia de las Torres gemelas, cinco pijos de la city revolucionaron el panorama del rock con el disco "Is This Is" con el que recuperaban las guitarras y los sonidos de su ciudad de los años setenta . El disco incluía esta canción que contiene una crítica hacia la policía neoyorquina. Justo por ello, tras los atentados fue incluida en la lista de canciones censuradas.

"I'll Take New York", Tom Waits ("Frank's Wild Years", 1987) 

Tom Waits lleva décadas poniendo voz y palabras a quienes viven alejados de los rascacielos, exiliados de los carteles luminosos anunciando la entrada restringida a ciertos clubes. Su lírica es propiedad de las almas marginales, aquellas que nunca han logrado hincar sus dientes a nada que se parezca a una “gran manzana”, una entelequia para ellos tan lejana como cualquier otro edén mítico. En esta canción, su patibulario y cabaretero acento atraviesa, tutelado por una ensoñación casi delirante, el publicitado sueño americano. El famosos minuto de gloria que toda persona anónima merece vivir, aquí se convierte en un paseo triunfal por la mística neoyorquina, un pasaje que aun así se percibe más como pesadilla que como triunfo.

“Like a Rolling Stone”, Bob Dylan (“Highway 61 Revisited”, 1965)

 El barrio de Greenwich Village en Nueva York fue el lugar en el que Bob Dylan viró su trayectoria. Lo vimos en “An Complete Unknown” (2024). Fue aquí, donde un “completo desconocido”, un joven y arrogante cantante folk desafío a sus seguidores y mentores, y se convirtió en un traidor después de grabar “Like a Rolling Stone”, “Ballad of a Thin Man” o “Desolation Row” en los estudios de Columbia Records situados en la ciudad. Por más veces que escuches “Como un canto rodado” siempre es la primera vez. Las notas iniciales de la batería llaman a la puerta de un mundo sin descubrir, una vida inédita, una nueva oportunidad. Y eso es, en definitiva, lo que representa Nueva York. 

 

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“You´re Free to Go”, el último disco de Anjimile y el último paso en su camino para tratar de ser quien es...

Por: Guillermo García Domingo. 

Anjimile (Chithambo) no es el primer artista tímido que ha existido. En contra de lo que podría pensarse hay muchos más casos como el suyo. El ejercicio musical siempre conlleva una transformación en el estudio y el escenario, la adopción de un nombre artístico parece indicar lo mismo. También es cierto que en sus discos anteriores la timidez había resultado una rémora para Anjimile. Al escucharlos saltaba a la vista que el artista afroamericano disponía de una sensibilidad musical y una lírica propias, sin embargo, el tono ambiental y minimalista que había abrazado en estos álbumes previos no siempre contribuía a resaltar las prometedoras canciones que había concitado, sino que, en ocasiones, ahogaban demasiado su personalidad. Esto ha desaparecido en el presente “You´re Free to Go”, antes le faltaba determinación musical, en definitiva.

Una determinación que siempre ha demostrado en su difícil existencia este joven de Dallas. Anjimile se ha desprendido de algo insoportablemente pesado y “se ha dejado llevar”. El título del disco alude a ello. No se trata solamente de que haya abandonado su identidad de género anterior. Por el tenor de las letras tiene que ver además con la liberación de los invisibles grilletes de la imposición binaria y los juicios sociales a los que se ha enfrentado al desafiar la mentalidad conservadora en un país cuya administración ha emprendido claramente una persecución política hacia las personas diferentes. 

Anjimile (Chithambo) ha vivido en varios lugares de EE.UU. . Por fin ha encontrado una ciudad santuario en la que puede ser él mismo, la universitaria Durham (Carolina del Norte). Estos cambios de residencia son la expresión de la búsqueda denodada de sí mismo que inició desde que tuvo la dolorosa certeza de que debía huir de la intransigencia de su familia si quería ser quien realmente es. “Llegar a ser quien eres” es el verdadero cometido de nuestra vida de acuerdo con la antigua sabiduría grecolatina. La aventura vital del artista se ha solapado siempre con su carrera musical, y se han producido trasvases continuos entre ambas trayectorias, formando una extraña doble hélice que hace las veces de núcleo genético de Anjimile. 

Este es un un disco más extrovertido, sin que por ello se deshaga de la languidez cautivadora que siempre le ha caracterizado, las melodías son más reconocibles y acertadas. En intentos anteriores se dispersaban con demasiada frecuencia. Algunos temas desbordan ese folk delicadísimo que ha practicado Anjimile, y son capaces hasta de hacer bailar, véase “Like You Really Mean It” o “Waits for Me”. Ambas hacen gala de una enérgica autoafirmación. Los acordes de la guitarra, acústica y eléctrica, siguen siendo el acompañamiento perfecto para la voz del artista, como en la canción que da título al disco o en “Rust & Wire”, “Turning Away” y “Exquisite Skeleton”. Hacia la mitad del disco se encuentran consecutivamente las cuatro mejores canciones: “The Store”, que recuerdan a la sensibilidad acuñada por Sufjan Stevens y sus siempre estimulantes arreglos, en este caso una guitarra distorsionada y una percusión electrónica inusual. Y la otra es la extraordinaria “Ready or Not”, el tema más largo del disco, porque a veces lo más sencillo es lo que más se acerca a la perfección. La maldición de una producción hipertrofiada está arruinando muchos discos. A éste no le pasa, por fortuna. Después vienen “Point of View”, y sobre todo, “Afarin”, otra canción subrayada en la lista. “Destroying You” y “Enough” demuestran que el disco se dirige de lo complejo a lo sencillo; Anjimile se va deshaciendo de sonidos, prejuicios, miedos, instrumentos, y lo queda es maravilloso, es más que “suficiente”.

Anjimile ha rehusado la experimentación inocua, y ha vuelto a las raíces folk para expresar una verdad vital irrecusable, que nadie tiene derecho a impedirnos ser quienes somos.

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Temples: “Bliss”

Por: Àlex Guimerà. 

Temples irrumpieron con fuerza hace más de diez años con el genial "Suns Structures" (2014), un álbum del que han hecho disco de remezclas, edición especial y gira de décimo aniversario. Una especie de alargamiento del chicle del disco que les situó en el panorama de la música indie. Sin embargo, hay que reivindicar a la banda más allá de su debut ya que han logrado hilvanar una carrera llena de aciertos, inteligente y ciertamente coherente. 

James Bagshaw ha liderado -y mantenido intacta con la excepción del batería Sam Toms- una formación que ya de inicio no quiso estancarse para virar hacia el rock psicodélico de sintetizadores ("Volcano", 2017);  recuperar el protagonismo y la espontaneidad de las guitarras ("Hot Motion", 2019) y acabar dando protagonismo a una producción dirigida por el hijísimo Sean Lennon ("Exotico", 2023). El resultado global es un póker muy interesante de álbumes cargados de buenas melodías, matices sonoros y una emotividad de esas que llegan. Además, y a pesar de tener su fiel legión de seguidores, nunca han traspasado el umbral que separa el mundo indie del mundo mainstream como otras bandas de su generación (se me ocurren los Tame Impala, por ejemplo), para seguir su propia senda. 

Un camino que ahora les lleva hacia un nuevo punto de inflexión en su discografía con el nuevo "Bliss", con el que abren las puertas de lleno hacia las texturas electrónicas y hacia la música de baile de los 90 sin perder el ojo en la psicodelia. A diferencia de su álbum anterior, donde viajaron a EE. UU, para el nuevo material han recuperado la dinámica de trabajo independiente y analógica de sus primeros trabajos en los que han intercambiado ideas y maquetas para posteriormente ponerlas en común con su propio equipo técnico (como un viejo sampler que adquirió James). 

Para los puristas de la psicodelia les aconsejo que no se resistan y se dejen atrapar de lleno por este álbum desde la melodía arábiga de "Jet Stream Heart", una pieza pegadiza destinada a dar el pelotazo en los festivales veraniegos. También con esa especie de coro gregoriano que abre una "Revelations" en la que los ecos africanos esta vez se entremezclan con samplers dance e incluso de italo-disco. O con "Megalizh" con la que descubrirán una línea de bajo que marca un tempo interrumpido por un riff sampleado y por esa afinada voz de Bagshaw que se impone deliciosamente a lo largo de todo el álbum. Unas cuatro cuerdas que de igual modo indican el camino en "Glimmer", otra suculenta pieza llena de flow que bebe de la new wave mas experimental. Aunque nadie se pierda las cajas de ritmos, los reberbs y las distorsiones dance de "Vendetta", ya que presentan una locura evasiva de 4 minutos y medio no apto para los más rockeros. Para aquellos que quieran seguir bailando no dejen pasar "Horizon" con sus teclados synth-pop y sus baterías sincopadas. Y por si alguien no había perdido la cabeza aún, "Waitiong On The Echos" con sus fabulosos teclados y juegos de voces. Para terminar que mejor que relajarse con una "Fantasy Realm" que nos sumerge en una atmósfera ensoñadora. 

Cierto es que los de Kettering han abandonado del todo el enfoque puramente guitarrero de sus entregas anteriores, y que lo han hecho para indagar de lleno en la cultura rave, el electro-pop y la electrónica noventera, pero también es cierto nos han dejado claro que mantienen intacto su inconfundible ADN melódico que es lo que, al fin y al cabo, da personalidad a una banda y la distingue de las demás. 

 Os recordamos que Temples pasarán en noviembre por nuestro país en las siguientes fechas y salas : 17 de noviembre – Teatro Eslava (Momentos Alhambra) , MADRID; 18 de noviembre – Sala López , ZARAGOZA; 19 de noviembre – Sala Aliatar , GRANADA; 20 de noviembre – Sala X , SEVILLA; 21 de noviembre – Antioxidante,   MURCIA; 22 de noviembre – Paral.lel 62, BARCELONA.   

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Orchestra Mambo International: “¡Apúntalo!”

Por: Txema Mañeru. 

Este verano nos visitó Ruben Blades con una gran orquesta y dejó, una vez más, un excelente sabor de boca. Si tú también añoras a este grande o a otros del sello Fania, como Tito Puente, Oscar D’León, Willie Colon o la propia Fania All Stars, quedarás encantado al escuchar este apasionante y, muy bailable, debut de la Orchestra Mambo International. Una gran banda plurinacional y multi-generacional con aficionados a la mejor música latina que vienen de Venezuela, Cuba, España, Colombia, aunque con centro en el Reino Unido y con algunos de sus líderes relacionados con proyectos como Ezra Collective o la New Regency Orchestra. De hecho al frente están los británicos Jonny Enright, compositor principal de todos los temas, director musical, trombón y corista y Lubi Jovanovic. Muy cerca de ellos el veteranísimo venezolano de 72 años Carlos “Pachanga” Peña que fue, durante años, corista del prestigioso e histórico Oscar D’León. Con más de una docena de músicos crean salsa a lo grande con sonidos afro-latinos, afro-cubanos, pachanga, mambo, guaracha y son montuno. 

Arrancan a por todas con una "Flauta Pa’ Ti" en la que cuentan con una colaboración de auténtico lujo como es la de Chip Wickham y su flauta. Instrumento destacado y muy bien acompañada por las imponentes percusiones de Le Messurier con sus inconmensurables timbales, pero también tocando batá y güira. Ritmo, coros y percusiones muy a lo Fania All Stars. Aires a Héctor Lavoe vamos a encontrar en una "Yembereque" que cuenta con los destacados coros de Romy Taylor (presente también en algunos temas más). "So Near, Yet So Far" es un destacado instrumental para bailar y cierra la cara A "Llegó Mi Gente Ya", que es una auténtica fiesta que parece un homenaje al "Mi Gente" de la Fania. También juegan con el título del disco y por ahí sale ese ya célebre “¡Apúntalo!”. 

El cuidado y muy madurado disco sólo ha aparecido en formato digital y, ¡cómo no!, en elegante vinilo. Por cierto, la portada del disco es una auténtica preciosidad con diseño de Angus Peters y que recuerda bastante a algunas de las mejores del sello Fania en la década de los 70. La cara B se abre con las destacadas tres trompetas de la formación y el lenguaje Yoruba de su primer single, "Olufina", con más ritmo incesante para bailar. "Mi Mambo" supone una especie de presentación de la orquesta y vuelve a resonar por ahí ese “¡Apúntalo!”. La cubana Claritzel Miyares lleva la voz solista, cercana a la mismísima Celia Cruz, en otro claro single como es "Rumba, Ron y Rico Son", frase que repiten en su contagioso estribillo y en el que también se cita al gran Compay Segundo. Finalizan con el estribillo rumbero de "Yenyere" con más baile y acordándose hasta de “La vida es una tómbola”. En este y otros temas brilla también el estupendo vibráfono de John Settle que también está acompañado en muchos momentos por el estupendo piano de Andrzej Baranek. Entre los varios invitados especiales, además de algunos coristas ya citados, tenemos otra trompeta más y hasta los violines de Yrving Yeras en el citado y destacado instrumental "So Near, Yet So Far". No tengo duda, estoy ante la mejor banda en su estilo que escucho en la última década.

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Leiva, sentido y sensibilidad en su regreso a Madrid

Movistar Arena, Madrid. Miércoles, 9 de septiembre del 2026. 

Fotos y texto: Ricardo Virtanen.

El regreso a la capital de uno de sus hijos pródigos, con la presentación de cuatro conciertos en el Movistar Arena, solo puede calificarse de regreso triunfal. En efecto, José Miguel Conejo, Leiva (1980), ofreció la noche del miércoles 9 el primero de estos recitales, con cerca de 16.000 almas que abarrotaron el recinto, creando la sensación, muchas veces, de hallarnos en un gigantesco Karaoke temático, centrado en sus inmortales canciones. Porque en este final de gira, llamado “Gigante Tour”, el artista combina temas de su sexto y último trabajo, "Gigante", con éxitos de otros discos (menos del primero, "Diciembre", puesto que la canción “Vis a vis” quedó fuera hoy), más algunas sorpresas de diversa índole. 

Lo evidente es que  ha sabido aunar un perfecto “sentido y sensibilidad” (emoción, razón y nostalgia) en sus directos, auspiciados por la Leiband, unos músicos que lo acompañan desde sus inicios en solitario, y que consiguen transmitir a la perfección un característico “sonido Leiva”. Estos seis músicos son el teclista César Pop y Juanchito Conejo (guitarrista y vocalista de Sidecars y hermano de Leiva), una potente sección rítmica: Manolo Mejías al bajo, y el Niño Bruno a la batería; una mini sección de vientos: Tuli (saxo) y Gato Charro (trompeta), más Mariana Mott: percusión y coros. Ellos conforman el sentido rítmico y armónico de sus canciones, a las cuales les otorgan alma y una ejecución soberbia. La sensibilidad, la melancolía, el buen gusto y el arte de la interpretación —sobre todo— la genera el cantante, quien sabe herir la fibra del más frío de sus fans. Son momentos en que el cantautor eléctrico se bate en solitario con su guitarra en mano (acústica o eléctrica), destripa hígados y enciende corazones. Esto ocurrió en varios momentos del recital: la rotura de sus cascos (“una estadística muy del atleti”, por la reiterada secuencia negativa en otros conciertos), la alusión a un vecino suyo que había perdido un ojo, lo que le hizo solidarizarse con él (al decir que “tener dos ojos es demasiada información”), la presentación de un tema nuevo del próximo disco, grabando tomas del público cantando en estos cuatro conciertos o la interpretación de dos canciones de Robe, la primera, “El hombre pájaro”, emocionado y solo ante el peligro.

El concierto se inició con un primer tramo de seis canciones, sucediéndose sin interrupción alguna. Abrió “Bajo presión”, uno de los temas mejores de "Gigante", del que se interpretaron seis temas, todos en la primera mitad. Sucedieron otros éxitos como “La lluvia en los zapatos”, la homónima “Gigante”, la cañera “Lobos”, “Terriblemente cruel” y “Superpoderes”. Para entonces el público, enfervorizado, ya cantaba a dúo con el madrileño, puesto en pie aunque hubiera asientos. En el turno de presentar “Sincericidio”, Leiva tomó por primera vez la palabra y dio un discurso sobre la importancia del artista a la hora de afrontar un directo de esta magnitud, ya que la mucha experiencia que uno pueda adquirir con los años puede quedar diluida en la nada (refiere, por ejemplo, son más de 20 conciertos en este mismo escenario, pero no se siente nada seguro). A esta siguió otra canción del álbum "Monstruos", “Breaking Bad”, la cual fluyó en el recinto del Movistar de manera delicada y emocionante. Llegó turno de presentar "Gigante" de una manera genérica (salvo la interpretación de “Flecha”, único tema de "Cuando te muerdes el labio", muy cambiado con respecto a la grabación original). Sonó una de mis canciones favoritas del disco: la introspectiva “Ángulo muerto”, donde Leiva, acústica en mano, muestra una clara disección de sí mismo, en una canción que nos recuerda a alguna de sus colaboraciones con su mentor Joaquín Sabina. En ella hallamos versos como perlas del tipo: “la agonía tiene forma de león”, “todo el mundo sabe ya que soy tuerto” o “que desnudo parezco un insecto, y vestido un señor”. Mientras, “Shock y Adrenalina” fue presentada como una clara influencia de Lou Reed. Y sin duda que lo es, pues el riff es un plagio amable de “Sweet Jane”. Lo cierto es que el tema le dio al concierto un aire glam / power pop evidente.

Tras “Cortar por la línea de puntos”, ocurría el mencionado problema con sus cascos, lo que supuso un parón de al menos siete minutos. Todo ello molestó infinito al cantante, quien cabreado e indignado bramó en arameo (como si la situación fuera un problema recurrente en sus conciertos). Tras subsanarse el problema, Leiva introdujo un set delicado de dos canciones. La primera, habíamos dicho arriba, es una balada cuya letra del estribillo había difundido en las redes. Pidió expresamente que no se grabara, ya que pretendía que “el afuera” no se enterara. Una orden, una quimera que, sin embargo, fue bastante aceptada por el respetable. El tema fue interpretado por César Pop, él mismo y dirigido por el saxofonista, que marcaba el compás a la multitud que entonaba el estribillo bastante aprendido. Después le llegó el turno a “El hombre pájaro” (hallada en el último disco de Robe), otra interpretación sublime, portando una de las guitarras acústicas creadas por Francisco Bros, con el nombre de su amigo fallecido. Aquí también soltó otra de las frases de la noche, al hablar de las canciones del cantante de Extremoduro: “Es la diferencia entre los que hacemos música y los genios”. El resultado fue excepcional, delicado, íntimo, parecido a como lo había ya interpretado el pasado verano en el Sonorama.

Sin duda, uno de los momentos cumbres de concierto fue cuando empezaron a encadenarse canciones de su antigua banda Pereza (1999-2011), de la cual, es evidente, no renuncia en absoluto. Algo positivo, porque otorga al repertorio un punto melancólico en muchos de sus seguidores, al tiempo que se recuerdan canciones top instaladas en el imaginario musical del público. De aquella formación se entresacaron cinco éxitos. “Pienso en aquella tarde más lenta” (con magnífico solo de saxo), “Como lo tienes tú” (con una evidente alusión a The Beatles) y “Estrella Polar” fueron las primeras en sonar, alternadas con “No te preocupes por mí”, otro gran tema de "Nuclear". Cada vez se acentuaba más el efecto karaoke en el recinto. La muchedumbre entonaba cada una de estas canciones de Pereza como si no hubiera un mañana, mientras Leiva dejaba partes de las canciones al público en solitario. No obstante, el punto álgido fue, como no podía ser de otra forma, la inmortal “Lady Madrid”, que con un punto acústico en su inicio avanzó con contundencia en su segunda parte. A su final, el cantante se quedó solo con su guitarra, jugó a preguntas y respuestas con el público, finalizando con la Leiband a todo trapo. “Lady Madrid”, el gran éxito de Pereza, cerraba el concierto, y significaba la locura entre los asistentes al Movistar Arena. La canción se partió en dos partes, una segunda preambulada por el propio cantante y su guitarra, creando preguntas / respuestas melódicas, con la colaboración de las 16000 personas presentes, volviendo de nuevo al estribillo para finiquitar de una vez este éxito de antaño. 

La Leiband se había retirado, pero no tardó en salir al estrado para tocar los bises que ya conocíamos de otros conciertos. Entró Leiva solo con su acústica para interpretar “Caída Libre”, el single que Leiva grabó junto a Robe y lanzaba en febrero del año pasado (Robe moriría el 10/12/25), y que se incluiría en el álbum de esta gira. Nos hallamos sin duda ante una obra maestra, cocida a fuego lento por Leiva y el propio Robe. En estas baladas, el bardo de Alameda de Osuna se mueve como nadie, ejerciendo de cantautor, papel que conoce de maravilla. Voz y guitarra dominan un espacio escénico conmovido por el arte, la voz rota (parece haberse recuperado, en parte, de aquella afonía que le alejó de los escenarios un tiempo). Sin duda, fue emocionante ese estribillo mágico y delirante: “Todo tiene luz de probador, / ya no me reconozco / y me importa bien poco. / En cuanto me dé un poco el sol, / me iré a hacer una foto, / a un fotomatón”, que entonaron los miles de asistentes sin la participación del cantante. Para terminar, Leiva encadenaba otros dos pelotazos, con un uso de la iluminación frenética y una banda ofreciendo una rotundidad ejemplar. Primero, “Como si fueras a Morir Mañana”, el gran éxito de su cuarto álbum, Nuclear (2019). Y como último plato exquisito, “Princesas”, otro de los inmortales éxitos de Pereza, que Leiva ha acogido en su seno. Canciones para finiquitar una gira larga (30 conciertos), que exponen lo más granado de este artista. Si bien, hay que poner alguna pega, sin duda esta sería que no hubiera habido algún invitado top (como sí ha ocurrido en otras ciudades, con la participación de Iván Ferreiro, entre otros). Pienso en Dani Martín, Amaral, Fito, Rubén Pozo o Tarque. Quizá sea haya reservado esta baza al cierre del “Tour Gigante” el próximo 30 de septiembre. O sea, pese al disfrute, me quedé con la miel en los labios, aunque al público —seguro— le importó un bledo.

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Eneida Fever: "Creo que parte del éxito del Magic in the Air fue no limitarnos a canciones antiguas, sino dar esas pinceladas modernas y mezclar estilos"

Por: Àlex Guimerà.

Tres décadas después de que una joven Eneida Fever decidiera transformar sus madrugadas en un refugio para los seguidores del universo "Sixties", The Magic in The Air Club vuelve a demostrar por que es una pieza imprescindible en el mapa sentimental de la Barcelona musical. Lo que empezó una noche de otoño de 1996 en la legendaria Sala Magic del Born se convirtió a lo largo de más de diez años en una auténtica trinchera sonora y plural. Por el escenario y la cabina de DJ pasaron nombres internacionales como Bronco Bullfrog, The Woggles o Frank Popp, además de bandas y figuras nacionales indispensables como Sidonie, Elephant Band o miembros de Los Flechazos y Rinôçérôse. Un cruce de caminos donde convivieron en perfecta armonía el soul, la psicodelia, el beat, el funk y el pop más aperturista, siempre con la mirada puesta en la década de los sesenta.

Ahora, para conmemorar este 30 aniversario tan especial, el club desvela una programación a la altura de su legado. La celebración arrancará el viernes 16 de octubre, con una Warm-Up Party de entrada gratuita en Casa Sidral. Esta primera cita estará amenizada por las sesiones de verdaderos veteranos y DJs vinculados a aquella movida, como Tormento, DJ Leperico y Adrià Gual, ideales para ir calentando motores. El plato fuerte llegará el sábado 17 de octubre en la Sala Upload. Para esta segunda jornada ya se habían anunciado la presencia de los franceses The Falken's Maze junto a Los Retrovisores, y justo se acaba de confirmar la tercera banda que no podía ser otra que los mismísimos Sidonie. Además, la velada contará con una alineación de DJs estelar encabezada por figuras de la talla de Eddie Piller (Acid Jazz Records), Roch "Da Mod" Vidal, Miguel Velacoracho, Carles Armengol, Belle de Jour y, por supuesto, los DJs originales de la casa: Edu Domingo, Marc Argenter y la propia Eneida Fever.

Un buen motivo para charlar con su impulsora, Eneida Fever, con quien echamos la vista atrás para recordar cómo nació este hito del underground barcelonés y repasar la historia de un espacio que no solo creó clubbing, sino una auténtica comunidad. 

Tenías apenas 19 años cuando impulsaste Magic in the Air. ¿Qué te llevó en 1996 y a esa edad tan joven a crear un espacio dedicado a los sonidos de los años 60 en plena década de los 90? 

Eneida Fever: Empecé porque mi hermano mayor, que me lleva ocho años, era mod y escuchaba muchísima música. En casa me machacaba mucho con eso, así que desde muy pequeña me empezaron a gustar los años 60; escuchaba sus discos y leía sus fanzines. A partir de los 16 años empecé a ir a Barcelona y me escribía con otro mod de allí, Alberto Valle, que también hacía un fanzine. A raíz de esto encontré a mi grupo de gente más afín. Yo soy de Sant Cugat y allí lógicamente no existían los mods, así que tenías que ir a la gran ciudad a buscar a tu gente.

Empezamos a ir a fiestas y a conciertos, sobre todo a la Sala Magic, que era el lugar del circuito por donde pasaban todas las bandas Sixties. Cuando acababan los conciertos, la música de la sala pasaba a ser de los 70. Aunque el corte no era tan bestia, te quedabas con ganas de seguir la fiesta. Recuerdo haber ido con mi pequeña maletita de singles a pedirle al DJ si podía poner tres o cuatro temas. Hasta que al final me lo planteé en serio, fui a hablar con Javi de la Sala Magic y le dije: "Mira, me llamo Eneida, tengo esto en mente: quiero hacer una sesión una vez al mes, traer una banda de fuera o nacional y luego pinchar". Me vio tan jovencita y con tanto morro que apostó por mí. Me dio un sábado al mes con la condición de "tú taquilla, yo barra". Así de fácil fue. En octubre acababa de cumplir los 19 años, la verdad es que viéndolo ahora es bastante impresionante. 

¿Cómo recuerdas la escena nocturna general de Barcelona a mediados de los 90? ¿Veías un vacío claro? 

Eneida Fever: No, la verdad es que había una evolución tremenda. Cada fin de semana teníamos actividades: si no eran fiestas, eran conciertos. Nos movíamos muchísimo y dentro del circuito mod todo el mundo estaba informado de lo que se hacía. Además, coincidió con la época del britpop, por lo que se mezclaba la gente que escuchaba pop actual muy ligado a los 60 con los de la escena tradicional. Luego empezó la época del clubbing en Barcelona; recuerdo que cuando acabábamos el Magic in the Air nos íbamos al Nitsa a bailar tecno. Había mucho compañerismo entre las distintas escenas. Hacíamos la ruta: Sidecar, Magic, Apolo, New York... Había muchísima actividad, cada fin de semana era salir. 

El nombre del club viene de la Sala Magic, pero ¿recuerdas cuándo se te ocurrió la idea concreta del nombre?

Eneida Fever: Quería que la palabra Magic estuviese porque era el nombre de la sala, pero que a la vez se relacionara con los años 60. El nombre viene por la canción Magic in the Air del grupo The Attack. De hecho, ahora que Guerssen Records celebra su aniversario, ha reeditado esa canción en single y en la fiesta vamos a sortear tres copias. 

Justo te iba a preguntar si había alguna canción o grupo que fuera el símbolo del espíritu del club... 

Eneida Fever: ¡Pues ya la tienes! The Attack y su Magic in the Air. 

El club ha sido un referente de los sonidos mod, garage, soul y psicodelia de los 60. ¿Hubo alguna evolución en la selección musical a lo largo de los años sin perder la esencia? 

Eneida Fever: Sí, de vez en cuando metíamos canciones de la época moderna. Habíamos pinchado a Kula Shaker, algo de Stone Roses o el remix superpsicodélico de "Kelly Watch the Stars", de AIR. Mezclábamos música actual con los años 60. Creo que parte del éxito del Magic in the Air fue no limitarnos a canciones antiguas, sino dar esas pinceladas modernas y mezclar estilos. No éramos un club exclusivamente de garage; también poníamos discos de soul o northern soul. Íbamos jugando con todo. 

Tras años de noches pinchadas y conciertos, ¿cuál es el recuerdo más surrealista o emotivo que guardas? 

Eneida Fever: Recuerdo una vez que volvía en verano para la primera fiesta de septiembre y la banda contratada me dejó colgada a última hora. Tuve que buscar sustituto a toda prisa y llamé a Marc de Sidonie, que en esa época eran un cuarteto y hacían psicodelia densa. Aceptaron superrápido. Hice un cartel nuevo con una foto de George Harrison haciendo un gesto y Marc estaba felicísimo. Lo recuerdo con mucho cariño.

Otro momento fue cuando trajimos a Bronco Bullfrog, una banda inglesa. Hicimos un sold out absoluto. Hice algo que ningún promotor hace: darles más dinero del pactado porque pensé que se lo merecían. El mánager se quedó flipando. Javi, el del Magic, me dijo: "Esto no se hace, los acuerdos son acuerdos", pero yo me quedé muy satisfecha. Había sido un éxito y la banda era parte de ello. 

Muchos clubes nocturnos son efímeros, pero el vuestro ha creado una comunidad entre distintas generaciones. ¿Cuál crees que es el verdadero impacto de Magic in the Air? 

Eneida Fever: El impacto fue esa mezcla de estilos que abarcó a un público más amplio. Además, la gente ligada a la escena mod/sixties de esa época luego ha seguido en la industria musical haciendo cosas muy potentes. Por ejemplo Xoel López comenzó con nosotros tocando con su segunda banda Elephant Band, o la periodista de El País Mònica escudero quien había pinchado allí. Los de Sidonie venían al Magic in the Air, los Dorian venían, Dani Poveda (director del Vida Festival) venía y tocó allí... La gente que salimos de esa escena hemos aportado un sentido crítico muy enriquecedor a la industria. Magic in the Air unió a gente de distintas escenas, desde el britpop hasta la electrónica. 

Al margen del impacto en Barcelona, ¿crees que ayudó a tender puentes culturales a nivel internacional o con otras ciudades? 

Eneida Fever: Sí. Yo hacía un fanzine en inglés llamado Fever (de ahí mi apodo, Eneida Fever) y lo enviaba por toda Europa. Mi misión era informar fuera de nuestras fronteras sobre lo que pasaba aquí: festivales, lanzamientos, conciertos, catálogos. Fui de las primeras en salir a pinchar fuera en una época en la que la gente no viajaba tanto porque ir a Londres era carísimo. También vendía casetes en festivales internacionales; hacía unas llamadas Olé Tapes, con temas de grupos españoles de los 60, y en los festivales de Italia se vendían como churros. 

A raíz del club también surgió un sello discográfico con el mismo nombre. ¿Cómo se gestó? 

Eneida Fever: Lo del sello realmente no va tan ligado al club, sino a la agencia Fever Productions. Veíamos que teníamos bandas a las que hacíamos la promo pero no tenían respaldo discográfico. Por eso, junto con Pablo, creamos el sello. Le puse el nombre Magic in the Air simplemente porque me encantaba cómo sonaba, pero funcionaba de manera independiente al club. 

Para la celebración del 30 aniversario habéis preparado eventos en salas como Upload y Casa Sidral. ¿Cómo habéis concebido la programación?

Eneida Fever: Quería que hubiese una conexión entre lo que fue el club y la actualidad. Por eso he traído bandas como Los Retrovisores, que son de la generación posterior y no vivieron el club porque eran niños. Me hacía ilusión esa conexión con bandas que podrían haber tocado en el Magic in the Air pero que en su día no existían. Además, ¡Laura, la nueva saxofonista de Los Retrovisores, nació en el 96! En cuanto a DJs, quería a gente mítica que pinchó en el club, como Eddie Piller (capo de Acid Jazz Records), que es el DJ de fuera que más veces pinchó allí, o Miguel Vera Colacho de Madrid. Y a la vez, invitar a gente que nunca pinchó en la época, como Tatiana (Belle de Jour), para hacerlos partícipes. 

Cuando llegue el día del evento, ¿qué sentirá la Eneida de hoy al reencontrarse con toda esa gente?

Eneida Fever: Estoy muy emocionada. Antes no me ponía nerviosa al organizar las fiestas, pero ahora es un formato más grande con muchas bandas y DJs, así que hay mucho trabajo de producción. Es un reencuentro para celebrar lo bien que lo pasamos. En el 96 no había móviles ni internet tal como lo conocemos hoy; trabajábamos con otra ilusión y quiero revivir eso. Vendrá gente de fuera de Barcelona y de España. ¡De hecho, hoy me llegan las camisetas del aniversario! Cumplir tres décadas es un hito. 

¿Tenéis pensado darle algún tipo de continuidad al club o se quedará en citas puntuales? 

Eneida Fever: El club como tal duró unos 10 años, aunque ha dejado una marca muy profunda. Mucha gente me propone darle continuidad ahora con el 30 aniversario, pero creo que es mejor mantener ese buen recuerdo y cerrarlo aquí. Quizá hagamos un 35 o un 40 aniversario... ¡si llegamos vivos! 

Por último, si pudieras dedicarle unas palabras a la gente que pisó la pista de baile a lo largo de esos años, ¿qué les dirías? 

Eneida Fever: Les diría que muchísimas gracias por todo el apoyo y el cariño. Al anunciar esta fiesta me he dado cuenta del impacto que tuvieron aquellas noches en tanta gente. Pasaron infinidad de DJs y bandas fantásticas, pero nada habría sido posible sin el público. Esta fiesta es un homenaje a todos ellos y a lo que construimos juntos. Me hace muchísima ilusión volver a verlos a todos en la pista.

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Sick Buzos emergen gracias a un nuevo disco homónimo de otro mundo

Por: Guillermo García Domingo. 

Las profundidades abisales del agua permanecen como el único lugar inexplorado del planeta. Solamente la poderosa imaginación de Jules Verne se ha atrevido a aventurarse en ellas. Aunque después de escuchar el último disco de Sick Buzos uno llega a dudarlo.

No hay nada, por extravagante o inusitado que sea, que no haya sucedido en Sevilla. Esta ciudad andaluza es el mundo entero en miniatura. Hace casi treinta años, cuatro buzos salieron de las profundidades (¿del Guadalquivir?) con un disco que depositaron en tierra firme. Muchos se acercaron a escuchar esa rareza salida de las aguas que además no se entendía del todo bien, y no solo porque los temas estuvieran en otro idioma, la extrañeza de “Introducción en blanco y negro” no dejó indiferente. Sin embargo, los buzos volvieron a ocultarse, al menos, como banda, ya que todos ellos por separado han seguido estimulando el underground sevillano, en la música y en otras disciplinas, porque debajo de la escafandra se encuentran las personalidades de nada menos que Javier Neria y Chencho Fernández. Ante este último, con permiso de Neria, instrumentista extraordinario, y de la Macarena, esta revista acostumbra a prosternarse. Los “chenchistas” salimos en procesión cada vez que Chencho se manifiesta. No somos de hostias, ni de darlas, ni de recibirlas, pero sus canciones son sacramentos para nosotros; cada uno de los tres discos son el antiguo, el medio y el nuevo testamento respectivamente. Dicho esto, Sick Buzos, como este disco pone de manifiesto, tiene entidad propia y ha firmado uno de los mejores discos del año, que casi nos perdemos por culpa del inoportuno verano infernal y la discreción del grupo. En esto también demuestran que pertenecen a otro mundo, alejados de la parafernalia grandilocuente que se gastan otros que después no tienen nada que ofrecer.

A lo largo de los años estos buzos se han dejado ver de vez en cuando y siempre sin avisar. Ahora, en cambio, han emergido en serio, de cuerpo entero con las aletas incluidas, aunque sin la presencia de la bajista y fotógrafa Concha Laverán que no forma parte del grupo desde finales de 2024, y protagonizan “un nuevo debut”, tal y como sostiene con razón la primera canción de este genial disco publicado en mayo. Han reunido material grabado de los noventa y temas compuestos para esta feliz ocasión; la mayoría están escritas y cantadas en el español de Chencho, ya que su “fraseo” habría que catalogarlo como una lengua aparte. También hay tres canciones en inglés. 

El disco no podía empezar de otra manera: las notas inquietantes de “Un nuevo debut” ensombrecen el aire de la canción. Las señales de colapso que el mundo envía nos obligan a pensar que no está lejos la hora de comenzar de nuevo; la voz de Chencho viene de muy lejos para comunicarnos la aciaga noticia y explica a su manera, además, por qué los buzos han decidido regresar del mundo acuático al que pertenecen. Y de paso advertimos que no son los de antaño, han adquirido saberes arcanos sobre el oficio musical allí donde los rayos de la luz no alcanzan.

Si el glam rock pudiera reencarnarse en algún sitio, elegiría Sevilla y se encapricharía singularmente de los Sick Buzos. Aunque los protagonistas de los temas y sus movidas son autóctonos, no acontecen en las callejones de Nueva York o en los rincones más sórdidos del CBGB, ni falta que hace. “Antoñito” vive (y muere) en una barriada sevillana, y “Fani”, por mucho que viaje de aquí y para allá solamente puede pertenecer a esas calles, las de la Alameda sin ir más lejos.

“Un miércoles absurdo” es, indudablemente, de la escuela de Chencho. Demuestra que en la mesa de una tasca sevillana un tipo puede albergar pensamientos existencialistas como lo haría un filósofo sentado en Deux Magots de París. “Eh, tú” y “Fani” son la artillería pesada para convencer a los indecisos. Chencho ha nacido para componer e interpretar estas canciones, como ha demostrado con creces en su trayectoria en solitario. “Eh, tú” lleva dentro la herencia de “Una buena noche”, con esto está dicho todo. Ambas son mellizas, no llegan a ser gemelas. En la primera, la guitarra de Neira siempre va a la zaga de Chencho, haciendo un pespunte impecable. “Fani” y su contemporánea odisea habrían sido muy bien recibidas en el repertorio eterno de Burning. Es deliciosamente extensa, porque ya deseaba Cavafis que el viaje fuera largo. 

“Criatura” es hermosa hasta rabiar y está dedicada a un pequeño ser humano que empieza su camino, aunque todavía de la mano de sus progenitores, a quien le tocará crear algo nuevo, sus propias criaturas, ese es nuestro destino. Lou Reed no parece muy predispuesto a este tipo de concesiones. Bob Dylan, tan hosco, tampoco lo parece y compuso “Forever Young”, sea como sea, apuesto a que el príncipe oscuro de New York (y a continuación cada uno de los miembros de la Velvet) les darían un beso en la frente a los creadores de esta composición tan afín a ellos. 

Entre las primeras canciones y las últimas hay un parteaguas instrumental que deja sin aliento. “No sé” es un corte propio de la década de los noventa, los años que vieron nacer el primer trabajo de Sick Buzos. La banda empuja y levanta una ola de sonido infranqueable, las guitarras y los demás instrumentos regurgitan el sonido de mil gaitas que se han tragado previamente. La elegante “Lamborghini girl” tampoco resultará extraña para aquellos que alucinaron con “Introducción en blanco y negro” (1997).

Las últimas canciones en inglés son las que de forma congruente adoptan un tono más psicodélico, y en el que comparecen sonidos sesenteros reconocibles, asumidos con una naturalidad asombrosa. En la larguísima, o corta, según se mire, si tenemos en cuenta lo formidable que es, “Icy, I love you”, Chencho, cual chamán, nos guía hasta el desierto para que seamos testigos de la ceremonia iniciática de Javier Neira y su guitarra. Un desierto que podría ser el que recorrió Jonathan Wilson en su ópera prima, “Gentle Spirit” (2011). Salvo excepciones este es el modus operandi del disco. La voz de Chencho, que cuando la canción lo requiere llega a musitar o murmurar, siguiendo el ejemplo de los trovadores franceses a los que el cantante sevillano admira devotamente, con ese estilo hacia adentro que patentaron Pepe Risi o Urquijo, hace que te concentres totalmente en ella y en la historia que te cuenta, mientras las guitarras de Neira mueven el péndulo de un lado a otro, siempre con idéntica cadencia, hasta que estás a su merced y ya no eres dueño de tu voluntad, dejándote llevar. En resumidas cuentas, son sesiones de hipnosis, no hay, en absoluto, giros efectistas, ni impostados solos de instrumentos. 

Al parecer, las ondas de presión, que, en definitiva, hacen posible que oigamos el sonido, se transmiten mejor y a mayor velocidad debajo del agua. De veras que este disco contiene, a tenor de lo bien que suena, música grabada en esas condiciones submarinas, aunque todos sepamos que la grabación se hizo en Dos Hermanas y los culpables son los dos productores y músicos originales de la banda, y el técnico o mago, Fernando Zambruno, sin olvidar a los demás “buzos” imprescindibles, Jaime Neria (batería), Álvaro Joya (bajo), Pedro Domínguez (órganos y piano), Alberot Pielfort (viola). El resto corrió a cargo de Happy Place Records.

Los Sick Buzos, en contra de lo que dice su nombre, están en un estado de salud musical inmejorable. Nos hacemos cargo de que viven entre dos mundos de modo que seguramente volverán a sumergirse. Lo que importa es que regresen acompañados de una colección de canciones como ésta que hemos reseñado.

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