Entrevista X Aniversario El Giradiscos: José Antonio García

"Tenemos tal bombardeo de información que a la gente no le da tiempo a asimilarla"

Por: El Giradiscos 
Fotografía: Javier Rosa

Pocos nombres dentro del rock hecho en castellano producen nada más ser citados un sentimiento tan fuerte como sucede con 091. Parte de ese éxito, junto a otros muchos elementos, reside en un frontman y cantante tan peculiar y genial como José Antonio García, conocido como "Pitos". Un talento que nunca ha dejado de brillar pero que en los últimos años ha explosionado con su último disco en solitario "Lluvia de piedras" y que ahora, por medio de la reunión de su banda madre, le tendremos de nuevo al frente de ella para, seguro, volver a emocionarnos.

Como es lógico, para todos los que formamos este proyecto de web musical llamada El Giradiscos, tanto él como todos los integrantes de dicha formación han sido alimento y objeto de admiración. Por lo tanto, era necesario sumar a la ilustre lista de nombres que nos están acompañando a soplar las velas de nuestro X Aniversario la de este brillante cantante, y charlar con él sobre música, medios de comunicación y otras cosas más..

Al igual que se suele preguntar si vinilo o CD; ¿prensa escrita y/o digital, y por qué? 

JAG: Yo siempre he sido de prensa escrita, pero desde que llegó la era digital leo también este formato, entre otras cosas porque cada vez es más difícil encontrar prensa musical en papel. Aunque soy un gran coleccionista y consumidor de biografías en formato clásico de papel.    

En estos últimos años ha habido una enorme proliferación de todo tipo de webs, blogs, de temática musical, ¿la irrupción de tanta oferta es algo siempre positivo o tiene algunas contraindicaciones esa posible saturación? 

JAG:  Siempre intento ver las cosas positivamente, pero la verdad es que se cuela mucha morralla, esconde lo bueno y se hace más difícil poder ver lo auténtico. El problema de tantos blogs es que es difícil distinguir lo bueno de lo malo. Antes el tío que escribía en papel, normalmente tenía un prestigio asegurado.  

En un mundo donde la manera de escuchar música es mucho más atomizada y el disco ha desaparecido casi como concepto, ¿qué papel crees que debe de jugar el periodista/crítico musical en la actualidad? 

JAG:  En cierto modo caminamos hacia… atrás; al principio las canciones se sacaban en single, donde en la primera cara intentabas dar a conocer una canción de éxito. Ahora ocurre algo parecido, pero en digital, aunque el vinilo va ganando terreno. Actualmente se escucha música en las plataformas y eso hace que ya tengas toda la información y puedas descubrir a más grupos, lo tienes todo, lo que hace que cada vez te interese menos la prensa musical.

Otra cosa que resta a la prensa es que la canción va acompañada de un vídeo para que sea más atrayente para el público, y puedes ver la imagen de la banda. El crítico/periodista debe guiarse por su criterio real no por gustos personales. Debe de indicar los discos que merecen la pena ser escuchados. Así, su papel es muy importante, porque hace la criba de todo lo que sale y te da a conocer lo verdaderamente bueno.

¿Mantienes cierta rutina o tradición de acercarte a determinadas publicaciones musicales o accedes de forma esporádica por informaciones o artículos que te llegan o interesan?

JAG:  Hay algunas publicaciones clásicas que intento seguir de manera periódica, otras me llegan esporádicamente y las leo porque me interesa.  

Dada esa evidente falta de relevo generacional existente en el interés por la prensa musical. ¿Crees que se trata de una cuestión cultural por parte del "nuevo" lector o existe un desapego de la prensa por los actuales intereses más populares? 

JAG: Tenemos tal bombardeo de información que a la gente no le da tiempo a asimilarla. Las nuevas generaciones no tienen la cultura y la paciencia de ponerse a leer sobre algo, se lo tienes que dar todo hecho muy rápido; todo es de usar y tirar. Pero creo que hay buenos críticos jóvenes, con un concepto nuevo, más dinámico, alejado de los supuestos clásicos del periodismo musical.

 ¿Cuáles son tus primeros recuerdos o contactos con la prensa musical desde la perspectiva de fan y consumidor? 

JAG:  Mis primeras revistas fueron, Popular 1, Vibraciones, Rock de Luxe, Ruta 66, cuando descubrí aquello para mí fue otro mundo, leía las páginas, recortaba las fotos y hacía mi propia revista con todo lo que me gustaba. El acceso a la información musical era difícil, y cuando caía algo en mis manos, lo devoraba.  

En los inicios de tu carrera musical, ¿cómo fue la relación con la prensa musical, tuvisteis rápidamente apoyo, costó que os hicieran caso?

JAG:  La primera vez que se habló de mi banda en la prensa fue en el Vibraciones: alguien escribió una carta diciendo que en el sur también había movida, y hablaba de TNT. En aquellos años para mí era muy difícil poder comprar una revista, pero cualquier dinero que conseguía iba al kiosco y compraba alguna de ellas, esa concretamente no pude conseguirla, pero al cabo de muchos años no sé cómo cayó en mis manos y la conservo. Ya con 091 empezamos a salir en el periódico Ideal de Granada y en algunas revistas musicales, una vez me llevé un desengaño muy gordo cuando descubrí que en las revistas musicales podía salir en la portada y en entrevistas si pagabas, me hundí y todo se me cayó encima, pensaba que era algo altruista, salías por méritos propios, menudo desengaño. Mi inocencia no me dejaba ver que para subsistir tienes que tener ingresos de algún lado.  

Y dentro de esa historia de la relación con los medios, ¿cuál es el momento, el comentario o la situación, que recuerdas con más cariño y/o emoción?

JAG:  Al principio todo era muy emocionante: salir en la revistas era algo extraordinario para mí, así que cada situación era algo novedoso, desde pequeño había soñado con salir en la revista y que pusieran mi música en la radio. También descubrí que era un mundo muy complicado y difícil y que yo no estaba dispuesto aceptar algunas cosas que imponían. Mi carrera ha estado llena de momentos intensos y casi todos han tenido cierto eco en los medios especializados.

¿Han sido parte las revistas -o cualquier otro formato- de tu educación musical? ¿Te han servido para conocer y/o descubrir cosas? 

JAG:  La verdad es que todos mis gustos musicales se los debo a las revistas, el boom de la nueva ola del punk, de los nuevos románticos lo descubrí en la revista, eran las pioneras, la avanzadilla de la música que salía nueva.  Sobre todo la imagen, que reflejaba si la banda molaba o no, así que si me gustaba rápidamente buscaba su música y siempre acertaba. Así descubrí a grupos muy importantes para mí. Ten en cuenta que en la radio existía radio fórmula (aunque se colaba algo) y después ya con radio 3 si empecé a descubrir bandas que me interesaban mucho más.

¿Crees que existe posibilidad de revolucionar la prensa escrita hablando con los músicos desde otro enfoque? ¿O más bien crees que está todo tan trillado que estamos condenados a repetirnos una y otra vez? 

JAG:  No veo que pueda existir una nueva revolución, creo que está todo hecho, aunque creo que, en base a lo que ya existe, pueden abrirse nuevos cauces y nuevas formas, por qué no…eso es cosa vuestra, de los medios, es vuestra guerra y ojalá lo consigáis.

El ser fans de 091, banda de la que eres vocalista, fue el motivo por el que nos conocimos algunos fundadores de la web, que concretamente coincidimos en la Fnac de Callao y en la sala Costello de Madrid en el primer concierto que diste con Guerrero García. Vamos que eres el culpable de que existamos. ¿Qué sientes al leer ésta frase? 

JAG:  Pues muy agradecido y feliz de haber tenido algo que ver. Para mí es un honor que haya servido de inspiración para que hayáis creado esta página musical de tanto éxito. 

Alguno de nuestros redactores guardan como oro en paño la foto que se hizo con vosotros, 091, en las oficinas de Warner, una mañana de tremenda emoción que disfrutamos con una de nuestras bandas de cabecera. ¿A la hora de enfrentarte a nuestras entrevistas o las de medios afines, se nota una mayor pasión que en la de determinados medios generalistas – que seguro verán más gente, pero quizás sean más aburridas para vosotros-? 

JAG:  Pues me podíais enviar las fotos que tengáis, me haría mucha ilusión tenerlas. Para mí hay dos tipos de medios, los que te hacen preguntas estándar y los que han escuchado tu trabajo y saben lo que preguntan, por supuesto estás mucho más cómodo con el segundo y da mejor resultado la entrevista, es más jugosa.

A lo largo de los años hemos seguido todos tus proyectos. ¿Qué valoración haces tú de la función que hacemos desde El Giradiscos? ¿Cómo has visto nuestra evolución en estos diez años? 

JAG:  Veo que os habéis consolidado como una web de referencia, por lo menos para mí. Veo que habéis crecido y lleváis una línea que me interesa mucho como lector. Así que, mi enhorabuena y que sean muchos años más. Yo siempre estaré agradecido por la atención que me prestáis y siempre contaréis con mi apoyo. Salud y Rock and Roll.

El festival documental In-Edit anuncia el grueso de su cartel para la edición del 2019

Hoy se ha presentado una nueva edición de In-Edit, cuya decimoséptima entrega tendrá lugar del 30 de octubre al 3 de noviembre en Madrid y del 24 de octubre al 3 de noviembre en Barcelona. El Festival, que ya había anunciado durante el mes de julio la proyección de nueve documentales, entre los que destacan obras sobre Leonard Cohen, PJ Harvey, Kate Nash, INXS o Teddy Pendergrass, ha presentado hoy el grueso de su programación.

La reveladora historia del cantautor Chicho Sánchez Ferlosio - dirigido por David Trueba será el film inaugural de In-Edit en Madrid. En Madrid, se proyectarán, además del ya mencionado "Si me borrara el viento lo que yo canto" de David Trueba, los documentales sobre David Bowie, Lil Peep, Marianne y Leornard Cohen, Miles Davis, Michael Hutchence, Pj Harvey, Niño de Elche y la historia del syntwave. A presentar sus documentales en Madrid acudirán David Trueba y Niño de Elche.

El festival en Barcelona dará el pistoletazo de salida con el estreno de "Everybody's Everything" - un film íntimo y trágico sobre la breve y meteoríca carrera de la estrella del trap Lil Peep - y lo clausurará "Ibiza: The Silent Movie", la última creación de Julien Temple que para contar la historia de la isla ha contado con la colaboración de Fatboy Slim. Entre ambas proyecciones: los cines Aribau verán desfilar lo mejor de la producción de documenales musicales del último año.

En la Sección oficial internacional las historias van de la opera de Sichuan, a la loca historia detrás del megahit de The Baha Men "Who Let The Dogs Out", una visita al misterioso mundo del poeta y compositor Giacinto Scelsi, un gutiarrista japonés que ha dedicado 30 años a emular la vida de Jimmy Page, la última gira de la banda Slow Club o la historia de un aspirante a fadista profesional por la calles de Lisboa

La sección Etnia Barcelona presenta la Mirada, traerá cuatro documentales de cuatro artistas únicos: David Bowie, Kate Nash, Miles Davis y Pj Harvey. Excedlents incluirá el tributo a Blue Note Records producido por Win Wenders, la mirada más personal a los porteros convertidos en iconos de la cultura de club en Berlín, la gira por el sur de Estados Unidos (de Donald Trump) de un coro íntergramente formado por hombres gays, la vida entre bastidores del prestigioso cuarteto de cuerda Quator Èbéne, un retrato coral de la música de los afrodescendientes de extrarradio de Lisboa, la historia de Marianne y Leonard Cohen, la escena trash de San Francisco en los 80, el documental definitivo sobre el cantante de INXS Michael Hutchence, la vida de Michael Gira - fundador de Swans-, la historia de Teddy Pendergrass y de ZZ Top.

Un año más la sección Km.0 mostrará dos de los mejores documentales locales, por un lado "Bcn 1989 Keith Haring", sobre la visita del icono del grafiti a Barcelona y Cases de la Música, la visión completa del proyecto pionero.O Barato de Iavanga, ganadora de In-Edit Brasil, y Gepe y Margot Loyola: Folclor Imaginario son los protagonistas de la seccion Premios In-Edit Internacional. Además durante la próxima edición se estrenará el tercer documental producido por Inedit Films: Octavas sobre la capacidad de la música para transformar el estado de ánimo dirgido por Uri Altell e Ivan Garriga.

En Barcelona ya está confirmada, entre otros, la presencia de David Trueba director de Si me borrara el viento lo que yo canto, El Niño de Elche protagonista de Niños somos todos, Olvia Lichtenstein directora de Teddy Pendergrass - If You Don't Know Me, y Remedios Malváres y José Romero Portillo directores y coguionistas de "Menese". Una de las novedades de esta edición es In-Edit Talent una nueva área creada con el fin de apoyar, formar y dar visibilidad al talento vinculado con el documental musical.

En el marco de In-Edit Talent y fruto de la unión de In-Edit y Kickstarter nace IN PROGRESS una convocatoria internacional abierta a creadores de documentales musicales que buscan financiación adicional para finalizar sus proyectos. Los candidatos seleccionados recibirán el apoyo de Kickstarter e In-Edit para construir y promocionar su campaña, con el objetivo de presentar sus projectos en In-Edit 2020 en Barcelona. Uno de los focos de In-Edit Talent será el Talento Joven; destinada a realizadores de entre 15 y 25 años a los que el festival ofrece herramientas y formación para iniciarse como creadores audiovisuales a través del documental musical.

Iggy Pop: “Free”

Por: Kepa Arbizu

Puede resultar a priori chocante, y casi paradójico, que uno de los máximos representantes de la transgresión musical reclame, en su decimoctavo disco y a los 72 años, libertad. Una petición que es, sin embargo, el reflejo de ese anhelo universal e inseparable a la propia naturaleza del ser humano, sea cual sea su condición particular. La de este veterano e icónico rockero nos remite hasta su anterior álbum (“Post Pop Depression”), de contrastado éxito y calidad pero que acabó por vaciar emocionalmente a “La Iguana”. Si para aquel episodio buscó su séquito en bandas -cada una a su manera- de fuerte impronta como Queens of the Stone Age o Arctic Monkeys para dar forma a un rotundo trabajo, ahora, parece haber optado por cubrir su habitual desnudo torso con una americana, ponerse gafas de sol y emprender un paseo por alguna gran ciudad de profundos y enigmáticos anocheceres. 

La búsqueda de ese ambiente y de un diálogo más intimista y crepuscular de nuevo le ha llevado a buscar compañía, una de hecho que resulta crucial a la hora de determinar la identidad de ese recorrido. En esta ocasión, son dos los nombres que van a actuar bajo un papel de mucha más enjundia que meros acompañantes, se trata del trompetista de jazz Leron Thomas y la guitarrista Sarah Lipstate (el cerebro escondido tras el proyecto Noveller). Ambos, además de su tarea instrumental, compartirán labores de autoría en la mayoría de los temas de este emancipador, reflexivo y otoñal álbum.

Siguiendo con las aparentes sorpresas, quizás los calificativos ya dedicados a este “Free” contrasten con los habitualmente vertidos sobre una carrera hecha a base de espasmódicos movimientos y andanadas ruidosas a través de unos irrepetibles The Stooges. La realidad, sin embargo, nos ha dejado claro que su presentación en solitario siempre ha tenido la intención de no responder únicamente a esos parámetros más salvajes y siempre ha permanecido inmersa en una continua búsqueda e indagación. Pasadas grabaciones como “Avenue B”, “Préliminaires” o “Aprés” no hacen sino ser los ejemplos más obvios de esa inquietud, sumándose el actual álbum a esa lista de explícitos caminos alejados de la inmortal leyenda punk. De hecho, el rol que las guitarras eléctricas van adoptar aquí va a ser residual, asomando únicamente entre una contundente sección rítmica para avanzar en un muy bien hilado in crescendo en “Loves Missing” o ya alejadas de agresividad en una más juguetona y burlona “James Bond”.

Todo el resto de composiciones, cada una en su ámbito y bajo su personalidad, se distinguirán por orientarse hacia la recreación de ese entorno noctámbulo, meditabundo y con un evidente deje jazzístico que sobre todo se manifiesta en el excelente sonido aportado por la trompeta, transmisora de un penetrante sentimiento entre lo onírico y melancólico que la empujará a ser protagonista a la hora de otorgarle toda su personalidad a la hipnóitca, evocadora y sobria canción homónima; a una robotizada “Glow In The Dark”, que finaliza como imbuida por las oscuras y lluviosas escenas de “Blade Runner, e incluso participando de algún que otro dislate como resulta ser la “hiphopera” “Dirty Sanchez”. 

Los diferentes niveles y colores que adopta el tono recitativo que domina todo el disco, solo interrumpido por algún escarceo en busca de una entonación más melódica visible en “Page”, alcanzará su grado máximo en una trilogía final que, si bien en lo musical no alcanza mayor relevancia respecto a lo ofrecido hasta este momento, sí sobresale por su poder lírico, ya sea tomando prestadas las palabras escritas por Lou Reed (“We Are The People”), utilizando el famoso poema mortuorio de Dylan Thomas (“Do Not Go Gentle Into That Good Night “) o por medio de la taciturna “The Dawn”. Un contenido que sintetiza a la perfección el carácter de un álbum que se aleja del ruido, en lo musical y en lo simbólico, para sumergirse en una callada inmensidad en la que rebotan las eternas e inabarcables interrogantes humanas. Porque “Free” no es un disco ni mucho menos perfecto, pero es que los intentos por alcanzar la libertad tampoco nunca lo son, y eso no les resta ni atractivo ni mérito.

New Model Army: “From Here”

Por: Txema Mañeru 

¡Es increíble cómo se ha reactivado la carrera de los veteranos New Model Army en los últimos años! A comienzos de la presente década los de Bradford estaban prácticamente totalmente olvidado;  de repente, hace 6 años, entregaron un destacado y sorprendente “Between Dog And Wolf” que los colocó hasta en las listas de ventas. Muchos dijeron que era lo mejor que habían hecho en las dos últimas décadas y no seré yo quien les lleve la contraria. El caso es que en 2016 repitieron los excelsos resultados pero sin repetir la jugada, algo que les honra, con un crudo e invernal, pero lleno de atractivos, “Winter”. Un trabajo repleto de dureza y de afiladas críticas, pero también de brillantes matices y arreglos. Sonidos y aromas que podían llegar por igual a seguidores de The Stranglers, Pink Floyd, Nick Cave & The Bad Seeds, Theatre Of Hate, Spear Of Destiny, Billy Bragg o Sisters Of Mercy. Ahora “From Here” (earMUSIC / EDEL / Top Artist Promotion) les trae de nuevo al presente dejando de lado cualquier tipo de nostalgia inútil. 

La verdad es que los dos excelentes singles previos ya hacían presagiar que nos encontraríamos ante otro gran trabajo, y su aparición definitiva no ha hecho más que confirmarlo. "End Of Days" nos los trajo con la urgencia de una persona a la que se le acaba la vida y con unas guitarras acústicas y un ritmo muy poderosos en primer plano. El nuevo single, "Never Arriving", vuelve a contarnos una apasionante historia con fantásticas guitarras y otros detalles sonoros que no hacen sino resaltarla. El vídeo que la acompaña es digno de verse. Para este nuevo disco se han ido a una pequeña isla noruega para centrarse exclusivamente en las nuevas y actuales canciones. Un disco que aparece en muchas y cuidadas ediciones y con una de ellas hasta en doble LP de 180 gramos. Conviene recordar que son una docena de nuevos temas que se van hasta la hora de duración.

Comienza de manera muy adecuada con un "Passing Through" y esa épica bien entendida que les caracteriza y con poderosas guitarras y cuidadas voces. Destacan también las melancólicas guitarras eléctricas de "Conversation" con sus acercamientos a The Church. Tras el inicio, en plan balda con acústicas, de la hermosa "Hard Way", luego nos traen una lograda melodía vocal dirigida por un bajo ultra potente y presente en primer plano: Watch And Learn" es uno de los temas más rockeros y está cantado con auténtica rabia. Contrasta con el mágico y más reposado final, formado primero por "Setting Sun", un logrado tema con guitarras eléctricas cargadas de eco por debajo y una preciosa letanía, casi narrada con la voz, y el cierre épico y mutante del tema titular, con una entrada misteriosa al piano, un ritmo palpitante con guitarrazos al viento y la voz de nuevo lanzando soflamas con rabia y hasta desesperación. Más de siete minutos que viajan desde los mejores The Stranglers hasta Nick Cave.

Nuevas, buenas y variadas canciones que completadas con sus clásicos y destacados temas de los dos discos anteriores compondrán el set-list para su gira europea de 38 fechas que comienza a finales de año y que esperemos tenga alguna parada entre nosotros. El año que viene cumplen cuatro décadas de trayectoria, pero están en uno de sus mejores momentos de siempre.

Purple Mountains: "Purple Mountains"

Por: Pepe Nave 

A estas alturas todo el mundo sabrá lo ocurrido. El inicio del verano nos sorprendió con la noticia de la publicación de un nuevo disco de David Berman, ya no como Silver Jews, sino con un nuevo y atractivo nombre, Purple Mountains. Salió el 12 de julio y se anunció una extensa gira por Estados Unidos. Cuando muchos estábamos en plenas vacaciones, disfrutando del disco, nos llegó la terrible noticia de que David se había suicidado el 7 de agosto en un apartamento de Brooklyn, tras sufrir una profunda depresión según comentó su compañero y amigo Stephen Malkmus.

Es extraño repasar el disco ahora, ya que la mayoría de las críticas profesionales fueron publicadas durante el mes de julio. Casi todas coincidían en que era un gran disco, con unas letras brillantes pero muy oscuras e íntimas, en las que llegaba a flirtear con la idea del suicidio. En una reciente entrevista para Poetry Foundation, Berman comentaba que le ha costado mucho terminar las letras porque quería contar con claridad por lo que había pasado estos años sin ningún verso de desperdicio. Curiosamente cuenta que en sus discos hasta 2001, sus letras eran pura ficción y a partir de ahí empezó a utilizar sus vivencias como material para sus canciones.

Así, en parte, se puede entender este álbum como la crónica de estos once años pasados desde la publicación de "Lookout mountain, lookout sea" (2008), último disco de Silver Jews. Su retiro comenzó con una declaración en la que atacaba duramente a su padre, Richard Berman, un lobista ultraconservador muy influyente en la política estadounidense con el que hace años que rompió relaciones. Se recluyó literalmente en casa leyendo, mientras su esposa Cassie Berman, también miembro de los Silver Jews, seguía saliendo. Finalmente se terminaron separando a principios de 2018. Anteriormente, en 2014 falleció su madre a la que estaba muy unido, hecho que motivó que retomara la guitarra y compusiera la primera canción de esta nueva colección, "I Loved Being My Mother’s Son". Con este panorama y teniendo en cuenta que Berman había pasado hace más de diez años por procesos de desintoxicación de las drogas, tras haber sufrido varias sobredosis y un intento de suicidio y con una importante deuda económica a sus espaldas, las letras son fiel reflejo de todo ello.

En contraste, musicalmente, las canciones tienen empuje y vitalidad, además de ser el disco de su carrera con más y mejores arreglos, con la presencia de piano, melotrón, melódica y armónica. Quizás también es el más accesible melódicamente. Desde que decidió volver a grabar, estuvo buscando compañeros de aventura. Probó con Dan Bejar de Destroyer y Stephen Malkmus de Pavement y ex-Silver Jews. Según Berman, no salió bien porque no conseguía terminar las letras durante el proceso y él no puede hacerlo con la música ya compuesta y grabada. Finalmente su compañía le puso en contacto con la banda de Brooklyn Woods, que además de sumarse como músicos, dos de sus miembros, Jeremy Earl y James Taverniere, lo harían como productores de forma brillante. Confiesa Berman en una de sus últimas entrevistas que se había expuesto tanto que no podía evitar llorar cantando durante la grabación, y ello le avergonzaba al ser los músicos casi quince años más jóvenes y prácticamente desconocidos para él.

Abre el disco "That’s Just the Way that I Feel", y efectivamente nos cuenta cómo se siente a ritmo de un animado honky tonk, y cómo dice en su primera estrofa “…las cosas no han ido bien esta vez, creo que finalmente me he jodido…”. No alberga ninguna esperanza, dice “cuando intento ahogar mis penas en ginebra, veo que mis peores ideas saben nadar” para rematar al final: “este tipo de herida no cicatrizará, el final de todo querer es todo lo que quiero…y esta es justo la forma en que me siento”.

Si no ha quedado claro, la segunda remacha, "All My Happiness is Gone", sin ironía alguna. De nuevo una dura letra para una canción que suena a pop luminoso y a potencial éxito, de hecho fue elegida como primer single. Los versos son contundentes y brillantes, “últimamente, tiendo a hacer extraños donde quiera que voy, algunos antes serían personas que me alegraría de conocer”. El video del tema, con Berman, como protagonista es bastante clarificador y en el momento en que alude a una felicidad pasada con alguien, sale una imagen de su ex-mujer Cassie, que protagoniza en persona el video del segundo single del disco," Darkness and Cold". Parece ser que las relaciones entre ellos eran cordiales tras la ruptura. En las imágenes se muestra a David mirando cómo se arregla ella para salir en diferentes ocasiones, mientras él se queda en el sofá. En la letra lo cuenta con poesía: “La luz de mi vida va a salir esta noche, mientras el sol se hunde en el oeste, la luz de mi vida va a salir esta noche con alguien que acaba de conocer”, mientras tanto la oscuridad y el frío le van calando.

"Snow Was Falling On Manhattan" es un pequeño paréntesis en su crónica autobiográfica en forma de preciosa balada que suena casi a villancico y que parece dedicada a sus fans. En una de las mejores estrofas que cualquiera podrá escuchar este año (o cualquier año de este siglo o el anterior), nos cuenta el precioso misterio de la música: “las canciones construyen pequeñas habitaciones en el tiempo y alojado en su interior está el fantasma que el anfitrión ha dejado allí para barrer, dar la bienvenida al huésped, atizar el fuego y cantar estas líneas”. Estas palabras que serían igualmente emocionantes, dado el desenlace fatal, resultan desgarradoras. La guinda la pone la cantante Anne St. Louis con sus coros, que al igual que en otras canciones del disco contrastan con la grave voz de Berman.

Cualquier fan de Silver Jews reconocerá el tempo y la línea melódica marca de la casa en "Margaritas at the Mall", que muestra al mismo tiempo las novedades en los arreglos, con una slide guitar y una trompeta de sonido fronterizo. En ella la dura mirada se vuelve hacia afuera, hacia un mundo que se va al carajo, sin noticias de Dios y con el personal tomando cócteles en el centro comercial.Quizás la canción menos emocionante del lote sea "She’s Making Friends, I’m Turning Stranger", un medio tiempo de aire muy americano, en el que incide desde el propio título en lo comentado anteriormente en la canción y video de "Darkness and Cold"; su mujer haciendo amigos y él volviéndose un extraño.

Nos vuelve a tocar la fibra con la canción dedicada a su madre, "I Loved Being My Mother’s Song", una pequeña joya, que termina con unos maravillosos coros cantando “she was, she was, she was”, ella fue, porque ya no está. Si nadie ha soltado una lágrima a estas alturas de disco, ahora llega la puntilla que lo hará casi inevitable ahora que todo ha pasado. "Nights That Won’t Happen", “noches que no sucederán, tiempo que no pasaremos juntos de nuevo”, en la que empieza diciendo que “los muertos saben lo que se hace cuando abandonan este mundo” y remata con “cuando la muerte ha sucedido finalmente y el sufrimiento se apaga, todo el sufrimiento es finalizado por los que dejamos atrás”. Palabras mecidas a ritmo lento, con unos bonitos arreglos y coros femeninos esta vez a cargo de Haley Fohr, que le hace sonar casi a los Prefab Sprout de "We Let the Stars Go".

En contraste, la siguiente canción, "Storyline Fever", suena animada, un medio tiempo al estilo de los Kinks. La letra es más irónica que el resto, ve la vida como si fuera una historia con muchas salidas posibles, pero en la que le entra la crisis del argumento y no sabe qué dirección tomar. Hay un párrafo brillantísimo respecto a lo que se espera de los autores hoy en día: “cuando eres a la vez vendedor y producto, debes venderte inmodestamente, convierte tu pedestal en una tabla de carnicero, si eso es lo que el público ansía”.

Como cierre, una declaración de principios que parece cantar con orgullo y un asomo de coraje, "Maybe I’m The Only One For Me", de las más “Silver Jews” del lote, a lomos de una gran melodía se da cuenta que ya no le resulta atractivo a nadie, le resulta evidente cuando ve a parejas por la calle quizás porque él es el único adecuado para él mismo. Así, termina un enorme y emocionante disco y con él una brillantísima carrera. Seguiremos escuchando al espíritu de David Berman a través de sus canciones.


El dúo Ida Mae (ex Kill It Kid) nos presentará su disco debut en dos fechas


El dúo británico formado por Chris Turpin y Stephanie Jean Ward acaba de estrenar "Chasing Lights", un disco producido junto a Ethan Johns, quien anteriormente ha trabajado con artistas de la talla de Rufus Wainwright o The Vaccines.

Tras disolver su antigua banda, Kill It Kid, la pareja decidió arrancar este nuevo proyecto centrado en la música de raíces americana que les ha llevado a abrir conciertos para Blackberry Smoke, the Marcus King Band y Greta Van Fleet. 

Las dos fechas elegidas en nuestro territorio para pasear su nuevo proyecto y sus actuales canciones serán el 24 y 25 de septiembre en El Almacén del Little Bobby, Santander, y en el y Rock & Blues de Zaragoza, respectivamente.

 

Bleached: "Don’t You Think You’ve Had Enough?"

Por: Txema Mañeru 

Las hermanas Jessie y Jennifer Clavin son uña y carne. Sí que parece que han sufrido crisis como otras bandas de hermanos, pero en este caso las disputas no han ido entre ellas, sino contra sí mismas. De hecho este disco, con magnífico y esclarecedor título, “Don’t You Think You’ve Had Enough?”, hace alusión a la superación de las serios problemas de ambas con el alcohol.

No sé si tendrá algo que ver este hecho pero ha resultado que este es su trabajo que suena menos punk. A mí no me importa. A cambio teneos afiladas guitarras, certeras melodías y lustrosos estribillos que son puro power-pop y que recuerdan en más de una ocasión a los mejores tiempos de Blondie. También en algún tema nos viene a la mente la Siouxie más pop y otros encantadores aromas new wave.

Llevan ya varios años y discos juntas tras su paso por Mika Miko. Es normal que se cite a Sleater-Kinney o Vivian Girls al referirse a ellas, pero con este nuevo disco, de nuevo para el prestigioso sello Dead Oceans, se puede uno acordar de Redd Kross, The Romantics o hasta de los injustamente olvidados Any Trouble. El álbum se abre con la irresistible melodía de "Heartbeat Away", dejando paso a la frescura de los primeros tiempos de Blondie en una "Hard To Kill" de encantador estribillo. Estos aires a los primeros cuatro discos de la formación de Deborah Harry se aprecian también, para bien en mi opinión, en la bailable "Kiss You Goodbye". No olvidan su lado más energético y punk a lo Sleater-Kinney como demuestran en "Daydream", aunque su estribillo regrese al pop. Melódico y muy atractivo resulta igualmente el de "Somebody Dial 911", en la que vuelven a la palestra el tema de sus adicciones.

La cara B se abre con puro power-pop cargado de magnéticos riffs y con el título de "Rebound City". Es su más reciente single y en él salen a colación los errores cometidos en amores, pero convertidos en lecciones, y donde las guitarras vuelven a ser una delicia en primer plano. Más estribillos pegadizos, con duras guitarras power-pop y un excelso órgano en los momentos más reposados, nos hacen caer rendidos ante otro posible single como "Valley To L.A.". Siguen enchufadas, enérgicas y de subidón en temas tan propicios para ello como "Real Life" y, sobre todo, "Awkward Phase". Se despiden sonando también power-pop en la acústica "Shitty Ballet". Eso sí, para que no pensemos que están de bajón, tras superar su alcoholismo, acaban el tema con una explosión guitarrera realmente punk. Habrá que pensar en darle menos al frasco...

Quique González estrena single y videoclip, "La nave de los locos", adelanto de su nuevo disco "Las palabras vividas"


El nuevo disco de Quique González verá la luz el próximo 18 de octubre en formato CD, LP y digital. Es un álbum especial ya que es el fruto de la colaboración del propio Quique, responsable de la música, con el poeta Luis García Montero, quien ha escrito las letras de las canciones expresamente para este disco.

Luis García Montero es una de los nombres más conocidos de la poesía contemporánea en nuestro país y máximo representante de la poesía de la experiencia. Su obra ha sido destacada por múltiples reconocimientos como el Premio Nacional de Poesía o el Premio Nacional de la Crítica. Amigo personal de Quique González, también ostenta actualmente el cargo de director del Instituto Cervantes.

En palabras de Chema Doménech: El resultado es un disco radicalmente distinto a todo lo que el músico ha hecho con anterioridad y que, por tanto, conlleva una parte nada desdeñable de riesgo. Sin embargo, el riesgo es un viejo conocido del compositor madrileño, cuya trayectoria se ha sustentado en una innegociable independencia personal y artística. Nuevamente, Quique se salta el guión de lo que pudiera parecer previsible para dejarse llevar por su instinto. Tal vez no todos lo entiendan pero esa inquietud, que en Quique González es un sello, ese afán por investigar nuevos caminos, es uno de los máximos valores de un artista. 00 El videoclip, escrito y realizado por Alberto Lavín en diversas localizaciones de Cantabria, rinde un homenaje a las mujeres pioneras del cine.

Este nuevo álbum ha sido grabado en Garate Studios, perdidos entre las montañas que rodean Andoain, Gipuzkoa. Es una aventura producida por César Pop, Toni Brunet y Diego Galaz, acompañados por dos grandes músicos como son Pablo Navarro y Edu Olmedo.

Las primeras fechas de presentación son: 

7 noviembre. Alcalá de Henares. Teatro Salón Cervantes

8 de noviembre. Cáceres. Palacio de Congresos

10 de noviembre. Burgos. Cultural Caja de Burgos

16 de noviembre. Salamanca. CAEM

27 de noviembre. Barcelona. Palau de la Música Festival Mil-lenni

29 de noviembre. Las Rozas. Auditorio Joaquín Rodrigo

14 de diciembre. Getafe. Teatro Auditorio Federico García Lorca

30 de diciembre. Bilbao. Teatro Arriaga

4 de enero. Pamplona. Baluarte - Festival Santas Pascuas 

14 de enero. Madrid. Teatro Circo Price

23 de enero. Donosti. Victoria Eugenia Antzokia. 

24 de enero. Valladolid. Centro Cultural Miguel Delibes

28 de enero. Sevilla. Teatro Central

30 de enero. Valencia. Auditorio La Rambleta

7 de febrero. Granada. Auditorio Manuel de Falla

8 de febrero. Almería. Auditorio Maestro Padilla