Fernando Alfaro

Madrid 14 de Noviembre 2009.
De emocionante puede calificarse el retorno de Fernando Alfaro, y es que hemos tenido que esperar tres largos años para volver a disfrutar su directo en la capital.
El marco era el festival Eñe que se celebró durante este fin de semana en el círculo de bellas artes de Madrid. Pero por esta ocasión tan sólo nos vamos a centrar en la figura del albaceteño.

Aproximadamente a las once y veinte minutos de la noche se plantó en el escenario de la sala de columnas del círculo de bellas artes, en solitario y con su guitarra comenzó tocando Un perro feliz del álbum debut de Surfin’bichos. Pero de las primeras canciones debo decir en honor a la verdad que la calidad de sonido brilló por su ausencia, ya que apenas se escuchaba la voz de Fernando. Este inconveniente fue producto de la pésima acústica que permite este bonito espacio, además del desinterés de gran parte del publico durante la primera parte del concierto, que con sus charlas impedían el disfrute del concierto a quien estaba realmente interesado en la actuación.

Pero fuera de estos pequeños inconvenientes el concierto fue ganando en intensidad, en emoción y a pequeñas dosis en calidad auditiva. Alfaro Recordó a Chucho con su Túnel de lavado, pero también miró al futuro estrenando dos canciones nuevas una de ellas la excelente, Teléfono de atropellados.
Algún día será, Un alud de septiembre o Ángel turbio también sonaron en su regreso a los escenarios madrileños.

Momentos de emoción y de gran belleza durante el espectáculo, como poder ver como la pequeña de las hijas de Fernando observaba y disfrutaba del concierto de su padre desde primera fila, entre el publico se encontraban sus dos hijas y su esposa. Incluso durante la actuación aceptó peticiones como Mis huesos son para ti impresionante declaración de amor que enlazó con Rifle de repetición.

La breve actuación terminó con Fuerte, coreada por los treintañeros que poblaban la sala. Fernando terminó metiéndose al publico en el bolsillo y las molestias del desinterés del publico durante los primeros temas quedó en simple anécdota. Nos dejó con ganas de más.

Ya después del concierto pudimos hablar con el protagonista y felicitarle, este nos comentó cosas sobre sus próximos proyectos, como el de musicar imágenes de Kubrick o empezar a preparar su nuevo álbum, que esperemos que nos entregue pronto. Como pronto esperamos ofrecerles más cosas acerca de Fernando.

Texto y Fotos: Jorge Bravo “Gurú”
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LOVELY LUNA - Teatro Lara -10-11-09

Felix Arias y Xoel López presentaban Chang y Eng, el tercer disco en la carrera de LOVELY LUNA. Su tercer disco en diez años.
Con el teatro lleno hasta la bandera y con un fragmento de Inseparables de David Cronenberg como introducción, salían a escena con una banda compenetrada que hizo las delicias de un publico, auqnue este ya estaba entregado de antemano.

Repasaron casi al completo el nuevo álbum, con ese aire campestre que lo caracteriza, magnificas Parando el trafico, esa historia maravillosa de una cantante de Jazz llamada Rosa, magníficamente interpretada por un Xoel que estuvo inmenso toda la noche, especialmente cuando acometieron la versión de The Way young lovers do de Van Morrison, una de las mejores canciones del irlandés del que probablemente sea uno de sus mejores discos Astral Weeks, la complejidad de interpretar esta canción con acierto nos da una idea de lo que Xoel puede llegar a hacer.

Felix también tuvo sus momentos de protagonismo con Sola y Tan sólo es la vida probablemente la mejor canción de Chang y Eng, que retrata fielmente como se siente uno cuando va cumpliendo años.

Estuvieron muy relajados en escena haciendo bromas entre ellos y con Juan de Dios, pianista y mano derecha de Xoel desde hace muchos años, además de productor del disco en cuestión.

También llamaron a escena a su "primo", el televisivo Julian López que colaboró con su trombón en La balada del hombre desesperado y La novia del río como ya lo hizo en el disco, y que cumplía 31 años ese mismo día,siendo homenajeado con tarta en escena.

También digna de mención fue la participación de Maria Toro a la flauta travesera que colaboró a dar un toque especial a los temas que sonaron muy distintos al disco.

Yo ya te conozco sonó excepcional con esa compenetración que existe entre las voces de Felix y Xoel que les hace parecer los Everly brothers hispanos, Si no hay puso punto final a una gran noche de folk-rock, con un "Gracias Madrid" que Xoel, siempre quiso decir en publico, con un "Viva la música" al que añadió "y vivan los músicos".

Texto y fotos Jorge Bravo “Gurú”
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Entrevista Edi Clavo

Tarde de sábado de hace unos meses, quizás demasiados. Nos embarcamos en el coche camino de una localidad cercana a San Lorenzo de El Escorial. El objetivo entrevistar a uno de los grandes del rock español. Viaje de cerca de una hora entre bromas y canciones de diversos grupos. En el ambiente un reto para nuestra web. El Giradiscos se va a enfrentar a uno de sus sueños, por fin vamos a hacer la primera entrevista a un grande, a un mito del rock español. Nuestro hombre no es otro que Eduardo Rodríguez Clavo, el que fuera batería de Gabinete Caligari. A medía tarde llegamos al impresionante chalet, limita a un lado con una ganadería de toros bravos, no parece un mal sitio para vivir, al menos al primer golpe de vista. En menos de un minuto estamos dentro del enorme chalet. Saludamos efusivamente a Edi, al tiempo que le acompañamos a una estancia repleta de libros, discos. Nos sorprende la comodidad de la habitación. Comenta que ese es su estudio. Damos fe de ello sobre la mesa aparecen amontonados una gran cantidad de libros de iconografía del rock. A nuestras espaldas un impresionante ventanal desde el que se atisba la gran cruz del Valle de los Caídos. Este lugar es un remanso de paz, pienso, mientras Edi, aparece con una bandeja, en ella trae algo para picar y algo con lo que nos refrescaremos durante la entrevista. Sin duda puedo afirmar que estamos ante un tipo cortés, educado, sincero…Le miro y soy consciente de lo privilegiados que somos. Encendemos la grabadora y comienza la conversación. Ahora, mientras escribo esta breve introducción, paro y pienso que debería haber hablado de Edi, de Gabinete, de la movida y de mil y una cosa más, pero que demonios. Todos deberían conocer la historia de la banda de rock más grande de nuestra ciudad, quizás de nuestro país y, sobre todo, de la que mejor ha captado la esencia de lo madrileño, castellano, en definitiva, de lo Español.

¿Qué recuerdas musicalmente hablando de tu infancia? ¿Cuál es la banda sonora original de tu vida?, al menos en esos primeros años de existencia.
La banda sonora de mí infancia son sin duda los Beatles. Mis primos y yo teníamos muchos de sus primeros singles. También teníamos los de los Rolling Stones, Kinks y The Who.

¿En qué momento sientes que el Rock and Roll comienza a correr por tus venas? ¿Qué edad tenías entonces?
Me empiezo a interesar por el Rock en esas reuniones en casa de mis primos, ellos eran algo mayores que yo. Debía tener diez u once años.

En aquella época en que las novedades no llegaban de una forma tan fácil como ahora. ¿Cómo teníais acceso a las novedades discográficas?
Lo cierto es que singles de los Beatles y los Rolling Stones los vendían en El Corte Inglés. En nuestro caso tuvimos la suerte de que mi tío era fotógrafo profesional y viajaba a Inglaterra y Alemania, así pudimos estrenar el “Sgt. Peppers”, “Let It Be” o “Sticky Fingers”, de los Stones.

¿Cuáles son tus primeros contactos con el mundo de la música? ¿A qué edad comenzaste a tocar la batería?
Empecé a tocar la batería con catorce años, con unos compañeros del colegio que eran cubanos. Nos llamábamos The Rock Boys.

Antes de empezar a tocar como batería de grupos cómo Ejecutivos Agresivos o Gabinete Caligari, ¿En qué otras bandas militaste?
En el colegio, después de The Rock Boys, toqué en algunas fiestas de fin de curso con un cuarteto acústico que se llamaba Blee Ribbon y luego en COU con un grupo llamado Fimosis. En la Universidad conocí a Jaime Urrutia, Ferni Presas y Eugenio Haro, en ese momento formamos Rigor Mortis.

Años más tarde entraste en el círculo universitario. Supongo que para ti la llegada a la Universidad supondría un “boom”. Conocer a gente con las mismas inquietudes, o quizás, con otras muy distintas. Musicalmente hablando ¿Fue un período enriquecedor?
Realmente, en 1977, la llegada a la Universidad fue decepcionante. Casi todo estaba politizado y el Rock era poco menos que una actividad contrarrevolucionaria.

Durante ese período de tiempo, sabemos que compartiste grupo con Christina Rosenvinge, en Ella y los neumáticos. ¿Qué puedes comentarnos de esta banda?
Yo escuché un anuncio después del verano de 1979 para formar un grupo, me parece que en la radio, en el programa de Jesús Ordovás… Era de Lars Mertanen.

Estamos hablando de uno de los componentes de “Décima Víctima”, ¿verdad?
Si, vivía por Majadahonda y tenía en su casa un garaje insonorizado donde se podía tocar. Yo aporté entonces a mis compañeros de la Facultad de Ciencias de la Información; Rodrigo de Lorenzo (luego en Ciudad Jardín) a la guitarra, Ángel al bajo y Montse como cantante (sustituida por Christina Rosenvinge). Lars tenía muy buena cultura musical Rock, había estado varias veces en Londres y tenía las últimas novedades de punk y New Wave. Ten en cuenta que estamos hablando del año 1979, la mayoría de los discos de los grupos ingleses no los publicaban en España, la única manera de conseguirlos era traértelos de Londres. Aquella fue una época impresionante, de sonidos y grupos nuevos.

En aquél tiempo ¿qué era lo que escuchabas? Supongo que sería una época donde todo estaría empapado por la “New Wave”.
Pues si, efectivamente… escuchábamos sobre todo New Wave. Era una vuelta a las canciones de tres minutos, Ian Dury, Graham Parker, Elvis Costello, Ramones, The Jam. También escuchábamos otros grupos un poco más “arties” como The Cure o incluso Joy Division, pero eso fue un poco después. En esa primera época, yo creo que fue más Elvis Costello, Nick Lowe, Graham Parker y Robert Gordon. Y, por supuesto, The Clash.

Esta claro que es un período de efervescencia musical. Poco después, apenas en unos meses, es cuando finalizáis el proyecto de Ella y los Neumáticos. Es el momento de mirar atrás y ver que en Rigor Mortis, ya estabais los tres “Gabinetes”. ¿Cómo se desembocaron los acontecimientos?
Ferni y yo ya teníamos en mente montar un trío con Jaime. Él estaba en Ejecutivos Agresivos cómo guitarra solista, pero un poco en segundo plano. Se dio la circunstancia de que “Ejecutivos” iban a sacar un lp, pero la compañía Hispavox se echó atrás y decidieron separarse. Ante aquellas circunstancias, Ferni y yo aprovechamos para proponerle a Jaime “¿Por qué no hacemos un trío?”. De esa manera surge el embrión de Gabinete Caligari. Cómo se puede observar, el formato trío era una toda declaración de intenciones, al principio teníamos muchas influencias de The Jam, del estilo mod…

Es paradigmática la evolución del sonido de “Gabinete” a lo largo de su historia. A grandes rasgos podríamos hablar de tres fases. La primera, es sin duda la más desconocida para el público, por lo que comentas es cercana al movimiento mod, la segunda, un período de música oscura, con referentes como The Cure, Killing Joke, Bauhaus o Joy Division, y la tercera, la más reconocida a nivel de ventas, que corresponde con el período en el que volvéis de la mili y que se conoció como el “rock torero”. ¿Qué puedes decirnos de aquella primera fase Mod? ¿Por qué se desecho aquel sonido?
La primera fase, la “mod” no es que sea poco conocida es que nadie la conoció. (Risas) Teníamos un nombre, Los Dandys, de hecho grabamos en cassette una maqueta de cuatro canciones que no estaba nada mal, en una onda Small Faces, The Kinks, The Jam, pero la idea duró 4 o 5 meses. Además coincidió que entonces conocimos a Eduardo Benavente, vino a vernos a los ensayos, se entusiasmó con nosotros y nos animó mucho para que no siguiéramos ese camino. Íbamos a su casa del Pinar de Chamartín y nos ponía discos que había traído de Londres de lo que se llamaba la “onda siniestra” (Theatre Of Hate, Killing Joke, UK Decay, Bauhaus, Siouxsie & The Banshees), eso nos cambió radicalmente la manera de ver las cosas.

¿Qué puedes decirme de vuestro primer trabajo “Que Dios Reparta Suerte”?¿Qué opinión tienes a día de hoy del mismo?
Es el típico primer disco, en él hay canciones interesantes que iban a marcar el futuro; “Gresca gitana” o “Sangre Española”. Personalmente no me gusta como suena, es un híbrido entre la época siniestra y el rock torero. La producción del disco no refleja bien como era el grupo en ese momento. Había muchas limitaciones técnicas, de nosotros como músicos, del productor, del estudio de grabación. Yo creo que el primer disco autónomo y autóctono de Gabinete es “Cuatro Rosas”.

Hablando de “Cuatro Rosas”. Edi, ¿Cómo te sientes al haber grabado el primer disco independiente que alcanzó las 50.000 copias vendidas, en España? (“Cuatro Rosas”-Tres Cipreses)
Pues en el momento en el que lo haces no eres consciente de la importancia o de la transcendencia. Simplemente teníamos seis canciones que pensábamos que eran buenas y las grabamos. Después se las ofrecimos a DRO que también estaban empezando, para nosotros era como ofrecérselo a un amigo, no eran una multinacional, era un piso con Servando Carballar en una habitación/despacho y allí tenían las oficinas.

La verdad es que en unos tiempos cómo los que vivimos, donde muchos grupos se las dan de “cool” por grabar para una independiente, sería importante que nuestros lectores conocieran que Gabinete fuisteis los pioneros de la “Independencia” en España…
Nosotros hacíamos eso en los primeros discos. Los fabricábamos e íbamos a recogerlos a correos. Aunque lo que queríamos era grabar, darle la cinta master a la compañía y que ellos se encargaran de todo. Nos gustaba controlar ciertos temas cómo las fotos, la portada, pero ese trabajo, la distribución, la promoción, etc…preferíamos que lo hiciera la compañía, nosotros no podíamos hacer todo. Con el paso del tiempo, creo que fue positivo; ellos crecieron un poco a la par nuestra y ahora, son una multinacional más.

Lo cierto es que observar el catalogo de grupos de “Tres Cipreses”, es algo realmente impresionante digno de cualquier gran multinacional…
Ten en cuenta que aparte de Gabinete Caligari, en la compañía grababa gente como Loquillo, Parálisis Permanente, Los Seres Vacíos…Grupos que permanecen en el imaginario colectivo.

Hay una cuestión que con el paso del tiempo, no me ha quedado clara. Realmente, ¿Quienés eran los propietarios de Tres Cipreses?
En realidad los que ponían el dinero, eran el hermano de Jaime, Fernando Urrutia y un amigo nuestro que ya murió, Andrés Cuadrado. Ellos eran los que costearon los primeros singles, pagaron el estudio y los gastos de fabricación de los discos.

Antes comentabas que necesitabais que parte del trabajo lo hicieran otros. Pero desde fuera siempre he pensado que en aquel momento teníais facilidad para grabar vuestros trabajos, el apoyo de una compañía cercana y alguien que cubría los gastos. ¿Por qué motivo decidís abandonar la independencia?
Llegó un momento en el que necesitamos que todo ese trabajo lo hicieran unos profesionales, como te he dicho antes. Aparte fue cuando DRO nos propuso firmar un contrato. En esa época firmaron con ellos Siniestro Total, Hombres G, Aviador Dro etc… Y también nosotros. La verdad es que el grupo dio un paso cuantitativo, vendimos 50.000 copias de “Cuatro Rosas”. De esta manera se fijaron en nosotros las multinacionales, que no están en el underground. Son las que ven que un grupo vende mucho en compañías pequeñas. La verdad que nos interesó en aquel momento a todas las partes, fue beneficioso para todos.

¿Cómo valoras con el paso del tiempo ese cambio, el de pasar de una independiente a una multinacional?
La verdad es que nos fue muy bien al principio. Al llegar grabamos con EMI, “Camino Soria”, después “Privado” y, por último, “Cien mil vueltas”. Con los dos primeros vendimos muchísimas copias. En el tercero teníamos puestas muchas ilusiones, muchas esperanzas de dar un paso más allá y sucedió todo lo contrario.
Ahí, además, cometimos el fallo de volver a cambiar de compañía, eso fue un gran error.

Estás hablando del cambio a Polygram. Con ellos editasteis un gran disco que pasó casi inadvertido, “Gabinetissimo”…
Eso es. Dentro de Polygram no teníamos prácticamente importancia, eso no hubiera sucedido en EMI, éramos una banda importante para ellos. Les hicimos ganar mucho dinero. Son errores que el tiempo te hace reconocer y después fuimos de mal en peor, ya no interesábamos a las grandes, tuvimos problemas con nuestro manager de toda la vida y acabamos en una compañía títere de Telecinco, en la que grabamos el último disco “Subid la música”. A partir de ahí fue imposible remontar.

Lo cierto es que la evolución de Gabinete, es bastante singular. No sólo por las mutaciones de vuestro sonido. Sino también por vuestras evolución a nivel de ventas en el mercado.
La verdad que no fue algo fulgurante, todo fue poco a poco, paso a paso. Cada Lp que sacábamos superaba al anterior hasta que llegó un momento en los años noventa que, al revés, cada disco que sacábamos era inferior en ventas y en promoción, en todo fue a mucho peor.

Volviendo a la época dorada del grupo, los años 80.Siempre me ha llamado la atención una cuestión, que por impedimento cronológico no he podido vivir. Tú que has conocido la España de los 80, la de giras de verano, de pueblo en pueblo, de carreteras secundarias, de horas de furgoneta, aquello que se dio en llamar la “España profunda”. ¿Qué hay de mito y que de realidad al respecto? Me refiero al hecho de tener que luchar con la escasez de infraestructuras o con la “inexistencia” de un circuito de rock.
Si, ahora hay mejores carreteras y autovías, cosa que antes no existía. Pero en veinte años, no ha evolucionado casi nada la infraestructura del Rock en España. Aquí el dinero sigue estando en las fiestas de los pueblos, eso es así. El alcalde contrata al grupo de moda para darse pote. Me fastidia el hecho de que todavía un grupo no pueda vivir de su público y tenga que vivir de masas sordas de verano, trabajar desde junio hasta octubre, actuando en plazas de toros, en plazas de pueblo, en ferias entre el humo de la fritanga, haga frío o calor…

Antes hacías referencia a los últimos años del grupo. Sabemos que el final de Gabinete, no fue el que quizás os mereceríais…
La última época de Gabinete resultó un tanto triste. Era muy difícil sacar los proyectos, nos encontramos frente a un muro de incomprensión y tampoco supimos dosificar fuerzas y presencia. Además Jaime decidió por su cuenta acabar con Gabinete Caligari de una manera un tanto retorcida… Y se terminó el grupo y la amistad.

Y después de Gabinete, ¿Qué? Sabemos que has estado varios años matriculado en la Universidad, cursando la carrera de Historia del Arte, la cual creo que finalizaste hace unos años. ¿A qué te dedicas actualmente?
Si, terminé la carrera hace un par de años. He estado impartiendo allí unas clases de Historia del Rock y actualmente estoy preparando mi tesis doctoral sobre Iconografía del Rock.

Es interesante saber como has reorientado tu vida, hacia el mundo académico. Sabemos que eres un gran amante de los vehículos y las motos. Inclusive publicaste un libro titulado “Grasa y Otros materiales nobles”. ¿Sigues manteniendo la pasión por el motor?
Si, el motor siempre me ha gustado, el olor de la gasolina, el aceite y la goma quemada. Últimamente no es que lo tenga abandonado, lo que pasa es que me resulta más difícil encontrar momentos para salir con la moto, pero siempre lo he compaginado con la música.

Por cierto, tampoco has abandonado el mundo de la música, al menos que no lo has hecho del todo…hace algunos meses pudimos verte en directo en Gruta 77.
Aunque no me dedique profesionalmente a ello, no he dejado de tocar, no ha pasado un solo mes sin que tocara en el local, sin que fuera a ensayar.

Háblanos un poco de Shocking Beards…es tu nuevo proyecto musical. En el mismo te acompaña un viejo conocido. Ferni Presas, bajista de Gabinete.
Shocking Beards es un proyecto que surge de la necesidad de seguir tocando Rock. Seguimos teniendo el local de ensayo en Tablada 25. Yo, por ejemplo, no puedo tocar en casa, así que esa es la única forma de tocar. Además me gusta tocar con un bajo enchufado, con una guitarra eléctrica. Ferni y yo tenemos un amigo en común que canta y toca la guitarra; Gonzalo Bárcena. Por otro lado conocimos a un chico que también es guitarrista y crítico musical; Alberto Bravo. Empezamos a tocar en el local clásicos que nos gustan, hacemos versiones de Dylan, Beatles, Rolling Stones, Creedence, Kinks, Neil Young, etc…Todo esto desemboca en que al final alguien te escucha y te propone tocar en un bar, para los amigos, para ti mismo.

¿Podremos disfrutar de algún disco de “Shocking Beards?
No creo, no tenemos más pretensión que tocar y disfrutar con ello. Además el hecho de tocar hace que estés en forma. Yo soy mejor batería ahora que hace 10 años.

Edi, a pesar de la amistad que nos une. No todos los días tenemos la oportunidad de asaltarte en una entrevista a quemarropa. Por eso, para nosotros sería un honor que un mito del rock en castellano, nos respondiera a las siguientes cuestiones.

¿Beatles o Stones?
Decían por ahí, que la patria de un hombre es su infancia y mi infancia son los Beatles me guste o no. Los Stones son más de mi juventud, porque eran más salvajes, más de vicio, juergas, chicas, drogas y tal…¿no es así?

En la misma línea y ya que has hablado de los “cuatro de Liverpool”. ¿Cuál es tu disco favorito de los Beatles?
En este momento diré que “Rubber Soul”.

¿Tres discos imprescindibles de tu colección?
“Rubber Soul” de los Beatles.
“Led Zeppelin 1”.
“In The Court Of The Crimson King” de King Crimson.

¿Cuál ha sido el mejor concierto que has visto en tu vida?
Siouxsie and the Banshees, Rockola 1982 / Neil Young, Rockodromo 1987.

Después de esa respuesta, es obligatorio preguntarte ¿Que era el Rockola?
Rockola era un antro gracioso, pero un antro. Lo mejor es que en una época vinieron a Madrid los mejores grupos ingleses a tocar allí.

¿Cuál es el sitio más impresionante donde hayas tenido la oportunidad de actuar? En el hipódromo de la Zarzuela, en Madrid, ante 100.000 personas. Tocamos con “Héroes del Silencio” y “El último de la fila”, fue una pasada mirar la recta del hipódromo con tanta gente, impresionante.
También me gustó mucho tocar en el mítico Astoria, de Londres, o en la Plaza de toros de las Ventas.

Podrías contar alguna anécdota curiosa que te haya ocurrido a lo largo de tu trayectoria musical.
Recuerdo el increíble atasco que se formó para llegar al hipódromo. Jaime estaba en mitad del lío de tráfico y de no ser por un motorista que pasaba entre los coches no hubiera llegado a tocar. Le preguntó al motorista que si se dirigía al concierto. Entonces se bajó la chica que iba de paquete y Jaime llegó hasta el hipódromo en la moto y la chica fue en el coche en el que iba Jaime.

Una última cuestión, ¿Qué se siente al mirar atrás y ver que has tocado probablemente en el grupo de Rock que mejor refleja la esencia madrileña? Digo madrileña, por no decir castellana o directamente española. ¿Qué se siente al ver tu nombre en los créditos de una canción cómo “Camino Soria”? Por citar un solo ejemplo.
Siento orgullo por haber colaborado a crear uno de los momentos más proteicos de la música pop española en los años ochenta.
Mi nombre aparece como autor en los créditos de Camino Soria y en todas las canciones de Gabinete Caligari por derecho propio.


Apagamos la grabadora. Continuamos la conversación por otros derroteros, hasta que finalmente miramos el reloj, es tarde. Decidimos volver a nuestras casas, no sin antes agradecer a Edi la invitación para que nos quedemos a cenar. Nos vamos con la sensación de haber hecho algo muy grande. No todos los días, se comparten unas horas con un grande del rock. Es en esos momentos en los que miras atrás y recuerdas los viajes en el coche de tu padre, mientras de fondo sonaba “Cuatro Rosas”, “La culpa fue del Cha-Cha-Cha” o “Al Calor del Amor en un Bar”, y piensas que nuestro entrevistado llevaba razón. “La patria de uno es su infancia” y la mía tiene el gusto “castizo” de aquel que se inicio en el rock en un concierto de Gabinete en el Parque de atracciones, con apenas 4 años. Que bueno haber conocido y trabado amistad con uno de vosotros. Gracias por todo Edi.

Entrevista: Javi Glez e Iván Glez.
Fotos: Iván Glez.
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The Bongo Experience

De Vilanova i la Geltrú (BCN), llega este grupo que nace en enero de 2007 y que acaba de publicar un trabajo titulado de la misma manera “The Bongo Experience”, es un disco promocional y se puede descargar desde su my space. Para los amantes de los grupos-fusión, tienen aquí a una banda que experimenta con estilos como el Funk, el Rock, Punk, todo ello cubierto por un manto de electrónica, en la que consiguen un coctel musical bastante personal, con influencias.claras hacia grupos como Incubus o Faith no more con esas atmósferas misteriosas y bailables.

En este trabajo se incluyen temas como Our distance, My Dreams, Chemical Steps y Action Reaction. Según The Bongo Experience, sus valores fundamentales: independencia para experimentar, experimentación para crear y finalmente creatividad para crecer, además provienen de una formación musical compleja y esto se ve reflejado en las armonías y melodías de su música.

También tienen en proyecto la realización de un videoclip de su tema Chemical Steps, y ya están preparando los temas de lo que será su segundo trabajo, en el que se puede apreciar un toque mucho más electrónico y bailable que su predecesor.

Se juntaron para hacer música sin pretensión alguna, y casi sin darse cuenta, crearon una criatura difícil de domesticar, (el hecho es que deben su nombre a un perro llamado Bongo que vivía justo al lado del local de ensayo) pero con tres valores fundamentales: la independencia para experimentar, la experimentación para crear y la creatividad para poder creer.
Esperamos pronto poder verlos y comprobar la contundencia en sus directos muy pronto.

Texto Alberto Vicente.
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McEnroe - Tú nunca morirás

Pop melancólico, canciones que duelen, historia repletas de lírica que hablan de sentimientos. Todo eso es lo que se desprende en la primera escucha del nuevo trabajo de McEnroe. Los de Getxo vuelven un año después de haber publicado su disco de debut “Mundo Marino” ( Subterfuge 2008), aquel disco que los situaba como una de las bandas de más prometedoras del panorama estatal.

Vuelven esta vez con un nuevo trabajo, titulado “Tú nunca morirás”, el cual se publicará, en formato digital y cd, el próximo martes 10 de noviembre. En “Tú nunca Morirás”, encontramos una sutil diferencia respecto a su predecesor. Aquello que se intuía en su primer trabajo, ha dejado paso a una “delicada” realidad que se asienta en nuestro panorama pop.

Nueve canciones de ritmo pausado, lentas, escritas desde el corazón. Nueve historias distintas que describen sentimientos con una dinámica constante, el amor, la tristeza y, sobre todo, el desamor, son el centro de gravedad sobre el que se construye el nuevo disco de McEnroe.

Canciones cómo “Los Valientes”, una composición eminentemente pop, con frases tan sinceras como románticas, del estilo de “moriría por ti, cómo mueren los valientes”. “El Alce”, irónico título para una desoladora composición que habla sobre una traición amorosa. “Tormentas”, la visión desde dentro del inminente final de una relación sentimental, con un cierre de canción que representa el momento más guitarrero de este “Tú nunca Morirás”. “Los Veranos”, interpretada íntegramente por Miren Iza, de Tulsa, quizás la conjunción de letra y melodía más luminosa de todo el disco. Esta decisión es todo un acierto, al romper el ritmo del trabajo con un cambio de voz, con un cambio de registro que transporta al oyente a otro plano, tras ella “Tu nunca Morirás”, dulce y delicada, nos devuelve a la atmósfera grisácea que empaña todo el disco. “Cuando Suene”, con una frase que justifica por si misma toda la canción, que alguien entone “Solías venir solo con el mar, con tu camiseta rota de los Smiths“, para un servidor, no admite reproches.

Encaramos la recta final de este trabajo con tres temas, “La noche de San Juan”, la enésima, composición reposada, de desamor, con una particularidad posee siete minutos de duración. Para cerrar, “Por que combatimos” y “Naoko”, las dos pistas encargadas de cerrar el trabajo. Ambas en la dinámica general de este trabajo, lentas, pero que no hacen caer en la indiferencia, tranquilas pero, sin embargo, repletas de frases que hacen sentir.

Nos encontramos ante un trabajo que requiere la atención del oyente. No existen melodías pegadizas, ni estribillos fáciles. Sin embargo, es uno de esos discos, que por circunstancias te acompañan en un momento determinado de tu vida. Al fin y al cabo, todos hemos pasado por fases de desengaño, de desamor o como queramos llamarlo. McEnroe nos ofrece en “Tú nunca Morirás”, nueve canciones que sirven de bálsamo para las heridas.

El jueves por la noche, estarán presentando su disco en la Sala El Sol, acompañados por Miren Iza y Abel Hernández, productor del mismo. “El Giradiscos” estará allí para contarlo.

Texto Javier González
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Vetusta Morla - Fin de gira - Sala el Sol

Para terminar su extenuante y exitosa gira, Vetusta Morla, ha preparado un fin de fiesta por todo lo alto, un regalo para sus fans madrileños, tocando cinco días seguidos en varios escenarios de la capital. El martes, fue el día elegido por nuestra redacción para cubrir el evento. Un acierto por nuestra parte, puesto que quizás se tratara del concierto más especial de todos los del ciclo. No el más masivo, quizás no en la discoteca más “cool”, pero si en la única sala de la ciudad en la que el conjunto de Tres Cantos había actuado con anterioridad. Por supuesto no nos referimos en esta gira, sino mucho tiempo antes, antes de ser superventas, de realizar decenas de actuaciones, antes de ser respetados y admirados por miles de personas. El escenario no podía ser otro que el verdadero templo de la música de nuestra ciudad… La Sala El Sol.

Con todo el papel vendido, sin medios acreditados, salvo honrosas excepciones, la expectación era máxima en los alrededores de la calle Jardines. No en vano la gente hacia cola frente “al Sol”, en una anárquica fila que llegaba hasta Montera con el nerviosismo propio de las grandes citas.

Con “puntualidad Británica”, a las 22:30 salían Vetusta Morla al escenario de la céntrica sala madrileña, para repasar su único disco, Un día en el mundo, así como algunos de los nuevos temas que formaran parte de su esperado segundo álbum. Seguro que el hecho de salir y ver todo el aforo completo, hizo pensar a más de un componente de la banda en tiempos no tan halagüeños. Esos tiempos de garitos pequeños, de cargar y descargar la furgoneta, no tan lejanos en el tiempo y que tan bien conocen. No son unos recién llegados, el éxito ha costado diez años de trabajo y muchos sinsabores. Y es que más allá de que Vetusta Morla, pueda gustar más o menos, los madrileños son un claro ejemplo de tesón, constancia y de fe en si mismos. De ahí el premio en forma de reconocimiento que están recogiendo actualmente. Todo un referente, sin duda, para las nuevas generaciones, tanto en lo musical, como en lo profesional.

El concierto comenzó con una perfecta simbiosis entre un público entregado y unos Vetusta, dispuestos a pasarlo bien. Sin embargo, en los primeros temas vimos que algo desentonaba, Pucho su cantante no se encontraba bien, aquejado de una laringitis. Llegaba renqueante a la cita, por lo cual pidió disculpas. Este hecho explicaba, en parte que en la Sala se encontraran carteles firmados por la banda en los que rogaban al público no fumar, ni antes, ni durante, su actuación. En su gran mayoría, el público respetó la petición del grupo, algo que habla muy a las claras del carácter modélico del público de los de Tres Cantos.

El concierto avanzaba siguiendo las directrices de lo que ha sido su reciente gira. Interpretando los temas más conocidos de su trayectoria, para los que en ocasiones se hicieron acompañar de compañeros y amigos de profesión, no en vano nos encontrábamos ante una ocasión especial. Por ello, no podían fallar a esta fiesta algunos invitados especiales como, Santi Campos, Esther y Charlie de Amigos Imaginarios, quienes salieron a escena para interpretar, el que probablemente sea su mejor tema, "Copenhague".

Un gran momento de la noche fue la aparición entre fuertes aplausos de Christina Rosenvinge, otra “madrileña de toda la vida”, que parece haber realizado un pacto con el diablo. Su sin par belleza y espectacular figura siguen siendo blancos de comentarios por parte del público masculino. Con ella realizaron "Chicago", de Sufjan Stevensa, la cual sonó fenomenal y que podemos calificar como uno de los mejores momentos de la noche.

Momentos antes había tenido lugar otro de los puntos álgidos de la velada, con la interpretación de "Valiente", ante una sala abarrotada que por momentos temimos se viniera abajo. Se vivieron más momentos intensos a lo largo de la actuación, como el final de "La Marea", o la magnifica, "Pequeño Desastre Animal"."Saharabbey Road", fue recibida como un himno y sus, a veces, cargantes coros se alargaron durante varios minutos.

El concierto se cerró con una emocionante interpretación de "Sálvese quien pueda", con la que dieron por finalizada una actuación para unos pocos privilegiados, los cuales se marcharon con una sonrisa a casa.

Después de la misma, “El Giradiscos” tuvo la oportunidad de felicitar a la banda por su exitosa gira y por este epilogo dorado que van a darle en nuestra ciudad. Así como cerrar una entrevista que se celebrará en próximas semanas y que cómo siempre podréis disfrutar en vuestra Web favorita.

Texto: Javier González López & Jorge Bravo Crespo "Gurú"
Fotos: Jorge Bravo Crespo "Gurú"
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Barricada - Presentación de La tierra está sorda

Barricada presentó a los medios su nuevo disco La tierra está sorda, en un curioso entorno, un parque de una comunidad de vecinos cercano a Ventas (Madrid). Pero no era un parque de vecinos cualquiera, allí se ubicó después de la guerra civil la antigua cárcel de mujeres donde fueron a parar entre tantas otras, las 13 Rosas.

La tierra está sorda (Warner, 2009) es un trabajo comprometido en el que los navarros a través de sus canciones ponen música a lo que se vivió después de la guerra, y las injusticias que se cometieron. Estos dos últimos años El Drogas ha leído decenas de libros, visionado multitud de documentales, escuchado infinidad de testimonios y ha viajado para visionar los escenarios de los sucesos con sus ojos, hoy en día muchos ruinosos y otros edificados y convertidos en urbanizaciones, como es el caso esta antigua cárcel de mujeres. De todo esto Enrique ha extraído la información que le ha servido para formarse una imagen clara de lo sucedido y poder llevarla a su música y a sus letras.

Enrique Villareal para explicar los motivos que le han llevado a sumergirse en tan farragosa parte de nuestra historia, se limitó a comentar “Que no quede en el olvido lo que pasó, para que no se vuelva a repetir”.

Es extraño pero interesante al mismo tiempo poder disfrutar del conjunto navarro a plana luz del sol, la cita fue a las doce del medio día. Sentados en un banco nos presentaron en versión acústica tres de los temas que forman este nuevo álbum. Primero el single adelanto “Por la libertad” interpretado con desgarro por Boni.

"El Drogas" contó y cantó los otros dos temas "Las rosas rojas" dedicada a las anteriormente mencionadas trece mujeres fusiladas que tanto han inspirado a escritores y en esta ocasión a músicos, en segundo lugar "Matilde Landa" un homenaje a esta activista política que ayudó a las presas condenadas a muerte en la cárcel de las Ventas.

Con este trabajo arriesgado, Barricada quieren conmover conciencias y poner luz a uno de los episodios más oscuros de nuestra historia.

Texto y Fotos Jorge Bravo “Gurú”
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Homenaje a Nick Drake

2 Nov. 2009. Sala Galileo Galilei, Madrid.
La pasada noche se celebraba un homenaje a la carrera del legendario músico británico Nick Drake (1948-1974). Con motivo de los 40 años que se editó el álbum de debut “Five Leaves Left”, pero esa noche también se repasaron temas de sus otros dos discos “Bryter Layter” en 1970 y “Pink Moon” de 1974.

Se respiraba emoción y mucho respeto en una sala con muy buena entrada, de un publico entusiasta hacia los sonidos folk del británico. La promotora Todoazul, consiguió reunir a una buena representación y por allí pasaron destacados músicos de la escena independiente de nuestro país. Por el escenario fueron apareciendo nuevas promesas como Miss Caffeina, ellos fueron los encargados de abrir una noche repleta de poesía y sentimientos a flor de piel. El siguiente en aparecer fue Nahum Garcia volviéndonos a poner los pelos de punta, esta vez tocando dos de los temas del cancionero de Drake.

El público atendía con un respetuoso silencio las evoluciones en el escenario. Sin dar apenas tregua, iban apareciendo artistas, la mayoría para interpretar una canción, y es que eran muchos los músicos congregados en la sala Galileo. Coffee&Wine volvió a subir la temperatura del local con un juego de voces a cargo de Esther Rodriguez y Ana Franco realmente espectacular y al que hubiera hecho sentirse orgulloso al propio autor de las canciones.

Continuaron rindiendo homenaje A singer of Songs y Richter con Santi Campos acompañando a la guitarra. El próximo en aparecer seria a cargo de Xisco Rojo con su proyecto The Singer Not The Song, interpretando otro outtake “Been Smoking too long”. A continuación hizo lo propio Lyndon Parish, teclista de The Sunday Drivers, esta vez interpretando un tema con la guitarra.

No tardarían en llegar los momentos álgidos de la noche con una brillante interpretación de “Clothes of Sand”, outtakes del disco “Time of No Reply” a cargo de la preciosa voz de Alondra Bentley, desde aquí, recomendamos su ultimo trabajo “Ashfield avenue”. El guitarrista de Havalina y de otros tantos proyectos más Manuel Cabezali, demostró porque es uno de los mejores guitarristas de la escena actual, interpretando ayudado por una joven violonchelista la canción “´Cello song”.

La primera aparición del multiinstrumentista Charlie Garcia, fue haciendo la soberbia interpretación de “River man”, que, para un servidor fue de los grandes momentos de la noche, destacando el acompañamiento a cargo de dos violines y un violonchelo. Más tarde aparecería también acompañando a Lourdes Hernández.

Una de las actuaciones más esperadas era la de Cristina Rosenvinge que hizo una más que correcta interpretación de “The thoughts of Mary Jane”, llevándose de los aplausos más sonados de la noche.Turno ahora para Pájaro Sunrise y Julio de La Rosa con Abrahán Boba a los teclados y Chumi de los Amigos Imaginarios al bajo, revisitado esta vez en el disco “Pink moom”.

En la recta final del homenaje hizo aparición Lourdes Hernández de Russian Red, interpretando un par de canciones con la colaboración de uno de los músicos de su banda, el polifacético Charlie Bautista, autentico protagonista de la noche. Cerraron con “Saturday sun”, con la suave y dulce voz de esta artista que va alcanzando una madurez y una seguridad en escena que con el paso del tiempo se va haciendo más patente.

Al final, hubo foto de familia con todos los participantes subidos al escenario y con una gran ovación en una noche memorable en la que todos salimos contentos, tanto músicos como publico y organizadores.

Texto y fotos: Alberto Vicente
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Entrevista - Manolo Tarancón

Manolo Tarancón desde que en 2004 publicara su primer EP ha ido caminando con paso firme y decidido adelante en el panorama musical español. Con cada disco ha ido mejorando tanto en sus textos, como en lo que se refiere al sonido, en esta ocasión junto a Paco Loco han dado un salto de gigante en lo que respecta a los predecesores de esta cuarta entrega, cuarta si no tenemos en cuenta aquel Íntimo, que es un disco de rarezas y versiones. Con Imperfectos han conseguido dar a las personales letras un sonido contundente, fuerte y con mucha personalidad para unas letras con no menos personalidad.

Con motivo del lanzamiento hemos tenido la oportunidad de someter a Manolo a un breve cuestionario, que busca más las curiosidades acerca del autor de las canciones, bastante desconocido para el gran publico, las letras y las canciones en este caso explican muy bien ellas solas.

Sin más dilación…Manolo Tarancón.


Diez canciones forman imperfectos ¿Se podría decir que es un decálogo imperfecto?
Bueno, no sé si imperfecto…el título viene dado por las ganas que tenía de hacer un disco grabando las bases en directo, sin buscar la perfección…tampoco es que buscara algo imperfecto, pero de ser así no habría pasado nada…Veníamos de “Más allá de uno mismo”, un disco grabado pista por pista y aquí buscábamos otro concepto.

¿Cómo ha sido el proceso de composición, cuando y cómo empiezas a escribir las canciones que conforman este disco?
Hay algunas canciones que bien podrían haber pertenecido al trabajo anterior, como “Ya está bien”, “Sin salir de aquí”, “Con la magia a otro lugar”…Otras fueron apareciendo con el tiempo. Es un disco atemporal en la temática, no pertenecen a un determinado tiempo. Son canciones, historias cotidianas que me han ido pasando. Recuerdo que el verano pasado hice “Dos días de tregua” al volver de un viaje a Cadaqués.

¿De qué te libera la música?
No sé si me libera exactamente. Digamos que me siento como pez en el agua, es mi método de expresión. La música es una forma de vida, creo que es complicado de explicar…hacer canciones a veces sirve de terapia, a veces no….

¿Qué es lo que hace que escribas canciones?
Como te decía, es lo que sé hacer…me pasan cosas y las plasmo en canción. Es algo innato, intuitivo, complicado de explicar, supongo. Hay historias que sí son terapéuticas. Recuerdo cuando escribí “Con la magia a otro lugar”. Me quedé muy a gusto al terminarla, me desahogué.

En este disco, por primera vez habéis trabajado juntos Paco loco y tú ¿Cómo surgió el que Paco fuera el productor?
Pues a mi me gustaban muchos de los discos que había producido. Buscábamos un sonido añejo, todo tocado con material vintage, y Paco, además de lo que tiene en su estudio, es un gran piloto. Recuerdo que contactamos y enseguida me dijo que adelante. Yo sabía que quería darle un giro al sonido con respecto a lo anterior, pero me preocupaba el alto porcentaje de importancia de la letra, de la historia que se cuenta….y creo que hemos dado en el clavo. Existe ese equilibrio, que quizá era lo que más me preocupaba.

¿Cómo ha sido el trabajo en común?
Intenso. Fueron seis días de grabación en abril. Luego tres de mezcla en junio. Creo que todos nos entendimos muy bien con él y él con nosotros. Éramos muchos músicos allí, y la verdad es que nos apañamos muy bien. Sabe sacar lo máximo de cada uno en un clima distendido, divertido y sin presiones.

¿Cuanta importancia ha tenido Paco en lo que respecta a la toma de decisiones en cuanto al sonido de los temas?
Cuando vas a un estudio de estas características sabes a lo que vas. Digamos que ya imaginas cómo vas a sonar, por todo el material del que dispone y por su forma de hacer sonar los discos. Llevábamos muy trabajadas las bases, y habíamos tocado todos los músicos antes de la grabación todos los temas, pero quise que lleváramos la mente abierta, por lo que pudiera aconsejarnos o decirnos. Cuando grabábamos las bases lo hacíamos el baterista y el bajista en la misma sala y yo en la sala de pianos con la guitarra acústica y la voz. La tocábamos un par de veces, Paco pensaba y nos sugería cosas. Le hicimos mucho caso en todo. Incluso ha grabado en casi todos los temas. Le daba un pase a la canción, pensaba, cogía un instrumento y se marcaba un arreglo que nos dejaba a todos flipando. Es acojonante como músico.

¿Contento con el resultado? ¿Es lo que tenías en mente cuando comenzaste a escribir?
Desde luego. Contentísimo y orgullosísimo de todos y cada uno de los músicos que lo han hecho posible.

El diseño del disco es muy sencillo pero deja ver que es una cosa muy cuidada, la maquina de escribir con la mancha roja de sangre, creo que refleja de manera fiel lo que hay en el interior del disco, ¿Dejas mucha sangre en tus letras?
¿Crees que es sangre? Bueno, deja un poco a la interpretación….Digamos que me desnudo mucho en cada letra y sí, vivo mucho lo que escribo. Digamos que en las letras de este disco hay sangre, sudor y lágrimas, pero también energía y contundencia.

¿Cuales son tus referencias literarias?
Muchas. Me gusta leer de todo. Mi padre era un gran lector y bibliófilo y no voy hacia una corriente literaria concreta. Ahora, por ejemplo, estoy leyendo relatos de Patricia Highsmith. Antes uno de Woody Allen y hace poco recuperé uno de Raymond Carver. Este verano disfruté mucho releyendo las dos primeras novelas de David Trueba, “Abierto toda la noche” y “Cuatro amigos”. No sé, leo un poco de todo.

Volviendo al diseño.Ya solo por curiosidad y por el gusto de ver que se cuidan los diseños, que es algo que no es importante para el sonido y la calidad musical, claro está, pero creo que es algo que ensalza el disco como producto, ¿te preocupa el diseño de las potadas, libretos y demás?
Sí, y en este caso, al sello también. La gente de Comboi tiene una filosofía muy clara: no claudicar ante los malos tiempos y seguir con la dinámica de siempre. Creo que es muy importante el equilibrio entre lo que se ve y lo que hay dentro. El arte de un disco es importantísimo para el resultado final, y aunque ahora se comercialicen carpetas con discografías completas y barbaridades de estas, ellos siguen con su filosofía, y eso les honra y para mí les hace mucho más grandes. Si perdemos eso, estamos jodidos.

¿Está en tus planes el editar Vinilos?
En los míos sí. En los del sello, no lo sé…creo que es un disco que podría editarse en vinilo sin problemas…Tanto la mezcla como el mastering se han hecho en analógico, así que sí, me encantaría, pero no depende de mí.

Creo que muchas de tus influencias son muy claras como Nacho Vegas, por ejemplo, pero supongo que habrá muchas que no lo son tanto,¿Qué escuchabas cuando estabas inmerso en el proceso de composición?
Es que el proceso de composición es tan largo que abarcaríamos un margen muy amplio. Escucho todo lo que me pasa por las manos, no me anclo en un estilo. Nacho es uno más de muchos. Ahora, por ejemplo, estoy escuchando mucho el último disco de Richmond Fontaine, me encantan los Bowerbirds y he vuelto a los discos de John Mayall, sobre todo uno, el primero sin los Bluesbreakers,” Blues at the Real Canyon”. Por decirte algo de aquellos meses, recuerdo que me había gustado mucho un disco muy en plan americana, el “Mescalito” de Ryan Bingham.

Ahora en lugar de preguntarte simplemente te diré, y tú comentas lo que supone para ti.

Antonio Vega.
El más grande. Un ejemplo de saber estar, de humildad y de genialidad sin necesidad de nada más. El compositor más grande de los últimos años.

Nacho Vegas.
Otro grande. Ha sabido inventar su sonido. Nacho Vegas suena a Nacho Vegas y eso es lo más complicado y lo más meritorio para un artista. Letras y melodías acojonantes.

Quique González.
Perfecto. Muy valiente siempre. Ejemplo de constancia y de trabajo. Nadie le debe nada. Él ha creído en él y ha llegado a donde está con sudor y pasión por la música.

Juan Puchades.
Un crítico y periodista musical exquisito. Lo sigo desde hace muchos años. Para mí es un honor que haya escrito ese precioso texto en el libreto del disco.

Bob Dylan. (Has escuchado Together through Life).
Sí, pero me gustan más Modern Times, Love of theft. Creo que es el mejor. Cuando llegó el momento de dar el giro, no se arrugó. Le llamaron de todo, pero él siguió confiando en sí mismo y en su música. Creo que es el más grande.

¿Qué es lo que tienes en mente para el futuro más inmediato?
Tocar sin parar y a mediados de año volver a grabar nuevos temas.

Esta vez para la gira habrá cambios respecto as tu anterior formación, ¿A qué se han debido estos cambios y cual será la formación definitiva?
Son cambios provocados por las circunstancias. Pero Txema Mendizábal se mantiene, Ricardo Gener también. El ingeniero de sonido que había grabado los dos discos anteriores, Paco Morillas, se grabó los bajos. ES un cambio pero al fin y al cabo está en este proyecto desde el principio. La formación será Alejandro Jordá en la batería, Txema Mendizábal en el bajo, harmónicas y coros, Ricardo Gener y Mauri Mora en las guitarras eléctricas y yo mismo con la acústica y la voz.

¿Cómo van a ser los conciertos de Tarancón de la gira imperfectos?
Algunos con banda, otros acústicos. Vamos a intentar que la gran mayoría sean con banda, quiero reflejar muy fielmente el sonido del disco. Habrá otros más íntimos…en fin, un poco de todo.

Y para finalizar…

¿Qué estarías haciendo si no fuera por la música?
Ufff, ni idea. La música es una forma de vida. Quién sabe…

¿Qué es lo que hace digas, “Por este momento merece la pena el dedicarme a la música”?
Pues que es lo que más me gusta. Es algo vocacional que no entiende de épocas de crisis, de momentos duros. Si te gusta no puedes dejarlo, es algo muy…intenso.

Por: Iván González
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La Madre de Todas las Fiestas

En la sala Caracol (Madrid) la noche del próximo 20 de noviembre será una noche especial, una noche en la que desde las 20:30PM hasta las 5:00AM no se va a poder parar de bailar, para ello se ha preparado un cartel de locura.

The Right Ons, Aqeel & Mental People y The 38Beats son la propuesta en directo. Después, los grooves a manos de Seiji (UK), Lovemonk DJs (Lubacov and Señorlobo) y Marula DJs (Kwenya and A. Requena).

El vídeo de promoción no tiene desperdicio.
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