¡Volvemos en Septiembre!

Como cada año, en El Giradiscos nos tomamos el mes de Agosto de vacaciones de cara a regresar en Septiembre con la misma ilusión pero con fuerzas renovadas y siempre pensando en nuevos contenidos y en continuar avanzando. Una pretensión que ni siquiera la terrible situación que en estos últimos meses nos está tocando vivir -por supuesto en el ámbito personal pero también en lo que se refiere al entorno estrictamente musical- va a evitar.

Sin entrar en valoraciones sobre la gestión que se está realizando en el sector musical, y cultural en general, no cabe duda de que es uno de los más perjudicados y a los que menos alternativas se le está procurando. Una situación que evidentemente, primero como usuarios y amantes de la cultura nos entristece, y como parte interesada nos preocupa, y mucho. Desde nuestro limitado ámbito de decisión, solo nos queda mantener la ilusión y las ganas de seguir hablando sobre nuestra incondicional pasión, la música, que frente a todos los pesares siempre nos acompañará, y mientras eso suceda que nadie albergue ninguna duda de que nosotros estaremos aquí para contarlo de la mejor manera que sepamos. Esperamos que a la vuelta, ya en septiembre, las cosas hayan podido avanzar y nos podamos encontrar en este pequeño, pero acogedor, hogar de una forma más naturalizada. Nosotros prometemos volver, nos encantaría que vuestra decisión sea la misma. Os esperamos.

Un saludo, 

Equipo de El Giradiscos

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La muerte de Jean Paul por Raúl Bernal: “El Adiós considerado como una de las Bellas Artes”

Por: Javier González 

“Y Raúl Bernal mató a Jean Paul”… pero pese a ser un asesinato premeditado, dotado a buen seguro de ciertas dosis de nocturnidad y toda la alevosía del mundo, no ha habido enseñamiento ni malas artes y sí por el contrario todo el amor y cariño posible, visible desde el acertadísimo título, confirmado por una presentación brutal, formato vinilo, fenomenal portada y aderezado por un relato que complementa desde unas coordenadas marca de fábrica a esas canciones que no son sino el epílogo de un proyecto literario-musical ante el que desde ya anunciamos nunca hemos sido ni ajenos ni mucho menos objetivos. 

Porque el objeto de un proyecto como Jean Paul nunca fue el de acercarse a las masas, su cometido, mucho más ambicioso, siempre fue el de facturar canciones hermosas, hirientes y valientes, relativamente confesionales y decididamente crepusculares, donde el existencialismo y la sensación de mirar desde la ventana pasar la vida, entre reflexivo y vigilante, empapaba todo, encadenando acordes desde una vertiente afrancesada pero siguiendo el sendero marcado por Diego Vasallo, Rafael Berrio -eterno- y el siempre presente José Ignacio Lapido, dejando su enorme sello de calidad en aquellos pocos paladares y tímpanos que siempre mostramos militancia Bernalista. 

Así procedemos a disfrutar del sepelio, del canto de cisne, de la ceremonia que supone leer el relato, pues van estrechamente ligados, mientras escuchamos “Vestigios Ajenos”, brutal en letra y melodía, “Abriles”, sorprendente apertura y con un sonido experimental, “La Nada”, quizás la mejor de la colección, por existencialista y dada su cadencia, donde mejor se resume la filosofía de Jean Paul, “Si Fuera Yo”, capaz de ponerte el corazón en un puño, “Mala Literatura”, con esos aires de vals quejumbroso, y el final con “Huracán y Mariposa”, donde la emoción embarga al saber que es el último trazo de una aventura que nos ha legado mucho, tanto a nivel musical como emocional y personal. 

Asistimos al cierre y a la despedida, con la sensación de haber disfrutado en cada uno de los discos y canciones que dieron vida a Jean Paul, también con los directos, cuando aún existían, en que pudimos verle, a veces con solo una acústica, otras con la lujosa banda que siempre sirvió de amparo a tan magníficas composiciones. 

A Jean Paul le tendremos que agradecer de por vida habernos dejado conocer a Raúl Bernal, alma de poeta y corazón de músico, sin vacilar, pura vocación artística, sin artificio ni más doctrina que su amor por el noble arte de hacer canciones. Hoy nos emociona saber que nos ha invitado a la última de sus fiestas, la de su despedida, haciendo gala de su honradez y tino a la hora de titular su postrer obra. “El Adiós considerado como una de las Bellas Artes”. Su último trazo da fe de que así es en una colección mayúscula.

Nunca es tarde. No se lo pierdan. Uno de los discos del año, aunque afirmarlo sabiendo que es el fin me parta el corazón. De eso trata el arte, ¿no? Hacer sentir, conmover y doler.

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_juno: "_BCN626"

Por: Javier Capapé 

El mes de julio del verano más extraño que nos ha tocado vivir comenzó con un tintineo en las cabezas de algunas personas que nos topamos con referencias en las redes sociales sobre un proyecto inquietante de nombre _juno. Nada más sabíamos, pero los días avanzaban y algunos músicos como Sidonie, Alberto Jiménez, Ricky Falkner o Iván Ferreiro afirmaban ser _juno. Hasta la periodista Virginia Díaz cayó en la propuesta que los misteriosos _juno le lanzaron invitándoles a su programa de Radio 3 el viernes 17 de julio, día que terminó siendo el elegido para el lanzamiento de su disco y para lo más importante: desvelar su misteriosa identidad.

Las redes sociales han tenido mucho que ver en el engrandecimiento de este enigma, que ha dado para especulaciones de lo más interesantes y que ha derrochado en todo momento mucho sentido del humor. Y sí, una vez el misterio se ha resuelto hemos podido acercarnos a lo que verdaderamente importa, las diez canciones del disco debut de este dúo formado por los brillantes Martí Perarnau IV (Mucho) y María Zahara Gordillo (Zahara). Juntos desde hace varios años en su andadura musical (Martí es socio y teclista en la banda de la ubetense), este dúo nace con intención de dar un paso más allá de las carreras de sus protagonistas por separado y, como ellos mismos afirman, con una clara falta de pretensión comercial.

Como reza su perfil de Spotify _juno no son ni Zahara ni Mucho, _juno es un proyecto libre y honesto nacido hace más de un año en el que ambos músicos comparten al 50% labores de composición, grabación y producción.

El confinamiento ha hecho que el proyecto haya nacido con más misterio si cabe. En un verano en el que los conciertos no son lo que eran y que los lanzamientos discográficos tienen que adaptarse a la situación, este "_BCN626" supone un verdadero soplo de aire fresco, un suculento regalo en el momento en que más lo necesitábamos. Y lo mejor es que este artilugio no se queda solo en el ruido de alrededor, sino que viene cargado de grandes canciones. Una suerte de reflexión sobre el sexo, la trascendencia, la necesidad del otro, la reafirmación de uno mismo, el olvido y las dudas y fantasmas como germen de toda relación. Temáticas tratadas con sonoridades electrónicas e industriales en las que sus dos protagonistas comparten también las tareas de interpretación. Un 50% real y honesto, en el que ambos se desnudan, porque como ellos mismos dicen, sus canciones están basadas en hechos reales, no tienen impostura, solo verdad, donde la censura queda definitivamente atrás en sus letras y actitudes.

"_BCN626", título elegido para la colección, abre el disco sugiriendo una habitación de hotel donde se dan rienda suelta a nuestros deseos más profundos. Habla abiertamente de sexo de forma sugerente ("vente, hazme todo lo que solo debe hacerse en los hoteles"), sin pudores y a la vez sonando delicada y sutil, con una interpretación vocal de Zahara absolutamente provocadora y sensual. Martí ataca con profundidad "_A Dos Metros Bajo Tierra", un tema sobre la trascendencia que continúa en la línea reflexiva y serena de la canción de apertura, pudiendo recordar al minimalismo electrónico de Bon Iver. "_He Visto Cosas Que Solo Tú Has Visto" nos lleva al vacío sentido sin nuestra otra mitad. El compañero como complemento y el dolor de la distancia. Versos como "con un solo pulmón no sabe respirar" lo dicen todo. No pueden ser más claros.

Sin duda, estas composiciones giran en torno a la reflexión de la edad adulta y la vida afrontada desde la plenitud de nuestras relaciones íntimas. Y en la boca de Zahara y Martí suena totalmente creíble, nada forzado, como si se abrieran en canal y compartieran sus propias experiencias como un torrente desbordado. Las seis cuerdas apenas se vislumbran y predomina el uso de sintes y teclados creando unas atmósferas absorbentes, únicas en nuestro panorama musical (solo antes desarrolladas de esta manera por Mucho).

El espíritu del Ferreiro más juguetón se cuela en "_El Infinito", antes de abordar "_Casamurada", una conversación sobre lo vivido y la posibilidad de cambio. Una canción cuyo nombre viene del estudio donde remataron la grabación del disco, con dos voces protagonistas que se arrastran y complementan en esta reflexión imperecedera con un punto sobrenatural.

En la segunda parte del disco el reparto de las voces es más equilibrado, pero las composiciones se vuelven más crudas. Podemos entender "_Los Otros" como el comienzo de una nueva oportunidad desde la rotundidad de ese "siempre hay una vida esperando" y "_La Aseguradora de Incendios", como la necesidad de olvidar y empezar de nuevo. Desde su largo inicio instrumental emparentado con el ambient, "_Manitoba Faraón" se torna tan inquietante como claustrofóbica, y en "_Domingo de Resurrección" destaca por encima de las demás el uso de secuencias y atmósferas que convierten su desarrollo final en una experiencia cuasi galáctica y que al propio Martí le quiere recordar a los Pink Floyd de "Welcome to the Machine".

La delicadeza de "_Déjame Entrar" (con arreglo de huevos batidos incluido) pone el broche final volviendo a incidir en la necesidad del otro como complemento con el que experimentar y compartirlo todo, como ejemplo de relación plena y sincera. Porque entrar en el otro es eso, es ser más tú mismo, comprenderte y realizarte. Necesitamos al otro para ser verdaderamente nosotros.

_juno y "_BCN626" no son un simple experimento. Son un nuevo proyecto que ojalá perdure. Dos grandes talentos unidos para hacer las delicias de aquellos a los que nos gusta el riesgo, los que no nos conformamos con lo más fácil, los que vivimos por y para las canciones que nos hablan al oído. Para aquellos que nos creemos que cada canción puede esconder nuestra propia historia. Eso es lo que _juno han venido a reivindicar por encima de todo. Un proyecto, una realidad y, a tenor de lo ofrecido en este inesperado álbum, un verdadero deleite para todos los sentidos.

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Nuestra canción de la semana: "Serenata", de Joe Crepúsculo

Canción: Serenata

Intérprete: Joe Cepúsculo

Disco: Supercrepus II (Próxima aparición)

Tras los singles “Disco en ruinas” y “No sé si es amor”, versión del “It Must Have Been Love” de Roxette interpretada junto a Tomasito, ahora llega el turno de conocer "Serenata", otra nueva canción que sirve de adelanto de lo que será el nuevo disco de Joe Crepúsculo, “Supercrepus II”, Se trata de un tema con ambiente ochentero y con vocación seductora, donde el pop se coaliga con unas bases funkys, por momentos discotequeras, para entregarnos una original y pegadiza melodía. 

Una canción en la que han participado, además del propio Joël Iriarte en las tareas compositivas, con sus aportaciones decisivas la guitarra de Alberto Martínez del Río, la batería de Marc López y el saxo de Jens Neumaier. Todo ello producido por Sergio Pérez de Svper.

 

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The Jayhawks: “XOXO”

Por: Albert Barrios 

Vamos a hablar de “XOXO”, el nuevo larga duración de The Jayhawks. Sí, los mismos que parieron el icónico “Hollywood Town Hall”, que se situaron a la altura de las grandes leyendas con el excelso “Tomorrow The Green Grass” y nos volvieron a dejar con la boca abierta con “Rainy Day Music”…¿Pero a estas alturas de la película les vamos a pedir que mantengan el nivel por encima del sobresaliente? ¿Acaso le vamos a pedir a "Van the Man" otro “Astral Weeks” , a Aerosmith otro “Rocks” y a Neil otro “Ragged glory”,o simplemente vamos a disfrutar de su música? Una vez nos hayamos situado, entendido que éste no es ni mucho menos uno de los mejores discos de la banda, y que a Gary Louris le apetecía perpetrar un disco más coral, estamos ante una obra súper disfrutable, y eso no es moco de pavo.

Los de Minneapolis celebran sus 35 años de existencia repartiéndose las labores compositivas, tareas vocales y producción, ante la sorpresa general. Grabado en los Pachyderm Recording Studio de Cannon Falls, Minnesota (el mismo donde en 1992 registraron “Hollywood Town Hall”), “XOXO” mantiene el sonido clásico de la banda, con pequeños detalles grupales que captan inmediatamente nuestra atención, pero que no lastran el (gran) resultado final.

Comienzan con “This Forgotten Town”, típica tonada marca de la casa con Louris y Perlman a las voces, la rockanrolera, a la manera Big Star, “Dogtown Days” y “Living In A Bubble”, heredera del mejor pop de los sesenta vía Lovin' Spoonful. Es “Ruby” clarificadora sobre el nuevo orden (¿será flor de un día, un mero experimento?) e igualdad de roles en la banda, con Karen Grotberg destacando con los teclados y su voz. En “Homecoming” Louris nos habla sobre estos tiempos tan extraños en que vivimos, y “Society Pages” es sin duda la canción más curiosa del álbum: puro british pop ochentas con el bajo de Marc Perlman marcando la pauta a seguir

“Illuminate”,puro divertimento pop, es la más floja del LP, compensada a continuación con la académica “Bitter Pill” y “Across My Field”, donde demuestran que pocos les pueden seguir el paso en cuanto a armonías vocales. “Little Victories” empieza muy soul, a la manera de la segunda juventud de Mavis Staples. Cierran el disco de manera tranquila y serena: en “Down To The Farm” transmutan en Simon and Garfunkel, y la minimalista “Looking Up Your Number” de Tim O'Reagan funciona como perfecta despedida. Un muy buen disco, en el que Louris ha dado un paso al lado para compartir protagonismo con sus viejos amigos. Estaremos atentos al futuro de la banda, a la gran cantidad de incógnitas abiertas por este álbum coral , que no mancha su leyenda y ensancha su legado. Dejemos llevarnos por estas nuevas canciones sin mirar atrás, disfrutemos del momento y de los nuevos sonidos proyectados por una de las bandas de nuestra vida. Los queremos, y mucho.

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Entrevista: Blanco White

"Quiero hacer música con la capacidad de transportar" 

Por: Kepa Arbizu 

No es casualidad que Josh Edwards, nacido en las Islas Británicas, haya elegido como nombre artístico Blanco White, un híbrido entre lo anglosajón y lo latino. Porque si su procedencia tiene origen en el citado entorno, su vida, desde muy pequeño, le ha llevado hacia una suerte de nomadismo controlado en el que la cultura, y modo de vida, de, especialmente, América Latina ha marcado sustancialmente la forma de encarar, también, el arte.

"On the Other Side" significa su debut en formato extenso, siendo la culminación de episodios pasados bajo un desarrollo más comprimido. Un álbum marcado sustancialmente por un folk contemporáneo de raíz intimista y abierto a recibir influencias de muy diversas, y algunas verdaderamente llamativas, zonas del planeta. Una ambientación que se nos presenta pura, casi bucólica, a la hora de exponer su ideario musical. Cualidades más que sobradas para entablar una jugosa conversación con este compositor de trazo puro y cristalino.

Ya desde tu nombre artístico, Blanco White, observamos la influencia de lo latino que hay en ti. Según has contado todo se inicia cuando de pequeño viajas por América Latina, ¿qué encuentras en su cultura que tanto llama tu atención? 

Blanco White: Como has dicho, viajé por primera vez a América Latina con mi familia cuando era niño. Esa experiencia fue realmente influyente en mí, creándome una mayor curiosidad por el mundo y un interés especial por los países de habla hispana. Recuerdo la calidez de las personas que conocimos en ese viaje y escuchar música andina por primera vez. Eso me dejó una gran huella a una edad muy temprana. Cuando empecé a aprender español, de adolescente, mi interés continuó creciendo...

Debutas, tras tres EPs, con el disco  "On the Other Side", ¿por qué ahora ha sido el momento de decidirte por publicar en formato largo (LP)? ¿Ha sido consecuencia de acumular las canciones necesarias o más  una cuestión de sensaciones? 

Blanco White: Había estado soñando con hacer un álbum largo durante mucho tiempo y sentí que este era el momento adecuado para asumir ese desafío. Trabajar en EPs te da la oportunidad de experimentar más libremente, pero creo que un disco tiene que poseer un propósito más claro, y éste fue tomando forma, y sentí que había acumulado suficiente experiencia para autoproducir un trabajo así.

Musicalmente es un disco con un sonido muy definido: un folk contemporáneo, evocador, elegante e íntimista. ¿Buscabas un disco tan homogéneo y que fuera un fiel reflejo de tu estilo?

Blanco White: Para mí el álbum tomó su identidad después de escribir la canción de apertura, “On the Other Side”. Fue una de las primeras canciones escritas para el disco, y muchos de los tonos y colores que usé en ella los trasladé al resto. En ese sentido creo que encontré algo al escribir dicho tema que me dio una visión global de cara al resto. Aunque eso también me trajo una cierta sensación de unidad sonora, y para mí seguía siendo muy importante que cada canción tuviera su sentimiento individual.

Trabajo las canciones de forma aislada y siempre buscando nuevos caminos creativos. Por ejemplo, la canción “Kauai O'o", contiene una fuerte influencia del jazz en la sección rítmica, algo que no esperaba llegar a explorar, pero debido a que la idea surgió de forma instintiva y natural, quise asegurarme de que hubiera un espacio para ese tipo de experimentación.

Y ese proceso creativo, ¿ha sido muy diferente al de tus anteriores trabajos cortos? 

Blanco White: Mi proceso creativo siempre está cambiando y evolucionando. Creo que eso es parte de lo que significa crecer como artista , por lo que siempre estoy buscando nuevas formas de organizar y componer. Hay mucho más ritmo en este álbum en comparación con mis lanzamientos anteriores, en parte porque comencé muchas de las canciones con el bajo, algo que no había hecho nunca antes. A partir de ahí cambió la dirección de los arreglos, al partir de una base diferente.

Las influencias que añades, por ejemplo las andaluzas, aparecen  siempre usadas de manera leve, muy sutil,  aportando solo matices, ¿ese tipo de utilización es consecuencia de un respeto a ese tipo de música? ¿Pretendías no alterar demasiado tu sonido? 

Blanco White: Tienes razón haciendo esa observación. La influencia flamenca en esta colección de canciones es particularmente sutil; yo diría incluso que la huella andina es un poco más clara. En ambos casos mi objetivo es recurrir a este tipo de referencias de una manera sensible y delicada. Son formas de música que realmente amo y respeto mucho.

Los momentos de este álbum que están más directamente inspirados en el flamenco se centran principalmente en el ritmo.Por ejemplo, la sección del puente en la canción de apertura es bastante neutra en sus acordes y armonía, pero el ritmo juega con las bulerías. Ese tipo de experimentación es realmente emocionante para mí.

Incluso también nos encontramos con algunos giros arabescos en "Samara", ¿en esta caso, qué te llama la atención de la música de esa zona del mundo y cuál es la aportación que buscas a través de ella? 

Blanco White: Mientras trabajaba en las canciones para este álbum estaba escuchando mucha música concretamente de Somalia, y especialmente una recopilación llamada "Sweet as Broken Dates", que se convirtió en una obsesión. El estilo de la composición, la musicalidad y la gran cantidad de influencias que había en ese disco realmente me dejaron boquiabierto. Había un fuerte sonido funk en muchas de las pistas, y también me encantaron todas las texturas de sintetizador.

Mi forma de tocar la guitarra en este disco se ha centrado predominantemente en el ritmo en lugar de las líneas principales, así que creo que también me atrajo mucho la forma en la que los guitarristas de esas bandas tocaban las partes rítmicas. Creo que había muchas conexiones, y quería responder a ellas en una canción como “Samara”.

Viendo las diversas influencias y todos los lugares que has recorrido, parecen indicar un sentido nómada en tu vida, ¿influye de manera decisiva a la hora de componer el entorno físico en el que estás en cada momento? 

Blanco White: Cuando vivo demasiado tiempo en un lugar tiendo a sentir un hormigueo en los pies, por lo que una de mis partes favoritas de trabajar en la música es que tienes la oportunidad de viajar durante el proceso de escritura. Cada viaje que he hecho lo he sentido como una aventura, especialmente cuando me he trasladado más lejos, a algún lugar como España, por ejemplo.

Ese tiempo que paso siempre me parece muy valioso. Me instalo en un lugar y trato de concentrarme realmente en la música y encontrar un ritmo creativo. Estar en un sitio hermoso o aislado resulta muy inspirador, pero no siempre contribuye directamente en el desarrollo de las ideas. Lo que es más importante para mí es esa sensación de espacio que siento cuando me instalo en algún lugar nuevo durante un período prolongado de tiempo, lo ideal sería unos pocos meses. Es ese contexto y la capacidad para respirar que me produce, más que el lugar concreto, es lo que me permite profundizar en las ideas.

En "Mano a mano" cantas en castellano junto a Malena Zavala, ¿resulta muy diferente, y en qué aspectos, tanto interpretar como escribir una letra en un idioma diferente al inglés?

Blanco White: Empecé a escribir "Mano a Mano" en inglés, pero rápidamente quedó claro que las palabras en ese idioma no encajaban con las melodías vocales que me estaban apareciendo, especialmente en el coro. Empecé a usar palabras en español en su lugar y al instante tuve más éxito. El español es a menudo mucho más rítmico y sincopado en comparación con el inglés, que tiende a ser más abierto porque las palabras tienen menos sílabas, por ejemplo, perro - dog, luna - moon, etc. En esta canción en particular, ese cadencia se relacionaba mucho más naturalmente con la música que tenía.

Extrañamente, en realidad escribí la letra más rápido que todas las otras de este álbum, que están en inglés. Recuerdo haber notado esa sensación en ese momento y pensar lo raro que era. De alguna manera creo que el hecho de que no tenga un dominio pleno sobre el idioma español significó que me sintiera liberado de una voz interior más crítica que está presente cuando estoy trabajando en inglés. Traté mis ideas con más indulgencia, y traté de seguir mis instintos y aquello que sonaba bien.

Cuando entré a cantar y grabar en el estudio estaba más nervioso de lo habitual. Toqué las demos que tenía con amigos de habla hispana que me ayudaron a corregir palabras que no había pronunciado tan bien. Eso me dio todavía más confianza, especialmente cuando MAVICA y Malena Zavala añadieron sus voces a la canción.

En tu música también hay un aspecto muy paisajístico, ¿piensas en ocasiones las canciones como una forma de trasladar imágenes? 

Blanco White: Mi estilo lírico tiende a ser más descriptivo que narrativo, a menudo centrado en las imágenes y lo visual. Muchos de mis compositores favoritos son grandes narradores de historias que exploran lo cotidiano, pero yo nunca he sido capaz de escribir de esa manera. Me gusta ser más figurativo y abstracto, y quiero intentar salir de lo cotidiano. Eso es lo que más me seduce cuando escribo, sobre todo porque quiero hacer música que tenga la capacidad de transportar, y de alguna manera ser de otro mundo.

Varias de tus  canciones has explicado que surgen por la lectura de un libro, de una conversación con otra persona, una recomendación.. ¿eres una persona especialmente permeable a lo que lee y/o escucha a la hora de pensar ideas para sus canciones? 

Blanco White: A menudo siento que sólo estoy respondiendo a cosas que me motivan o que despiertan una nueva curiosidad e interés en mí. Ese proceso se basa en una reacción a los estímulos que me llegan en lugar de una búsqueda activa de inspiración. Los libros y las historias por supuesto pueden dejar una verdadera huella en ti, pero también lo pueden hacer las conversaciones cotidianas.

Teniendo en cuenta el sonido tan especial y reflexivo que manejas , ¿cuál sería la aspiración o el lugar al que te gustaría transportar al oyente con él? 

Blanco White: Creo que como oyentes todos reaccionamos a la música de diferentes maneras y formamos nuestros propios objetos visuales a través de ella. Podríamos incluso ver ciertos colores, o echar una mirada a un recuerdo concreto o a un lugar imaginado. Tal vez en realidad no veamos nada de todo eso, pero sí que lo percibimos de cierta forma. Al escribir estoy buscando sonidos y combinaciones que me conmuevan, o un estado de ánimo que me parezca misterioso y surrealista. Son este tipo de atmósferas las que despiertan mi imaginación y me transportan en un viaje.

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Random Thinking estrenan en directo su nuevo espectáculo "Windy and Warm"

Los hermanos isleños Aurora y Ángel Pérez forman el proyecto artístico Random Thinking. Su exquisita propuesta musical enraizada en el folk, el blues y el smooth jazz, les ha valido el reconocimiento unánime de crítica y público. Han sido escogidos entre los Mejores Artistas Nacionales del año, premio Alcalá Suena 2018 otorgado por la ciudad de Alcalá de Henares, escogidos entre los Mejores Discos por la crítica especializada, sus espectáculos están seleccionado por la Red de Teatros y recomendados por medios de todo el país. Con sus dos trabajos discográficos han recorrido España en numerosos conciertos y festivales: Su disco debut homónimo y su segundo álbum "Right here and now", ambos autoproducidos por los propios hermanos y con “Caco” Refojo, (ganador de tres premios Grammy) en la ingeniería de sonido.

Actualmente, la banda continúa girando a la vez que trabajan en nuevos proyectos, entre los que cabe destacar lo que será su próximo trabajo discográfico y colaboraciones en cine. En XXI Noches en los Jardines del Real Alcázar, y durante diversas fechas a lo largo de agosto y septiembre, estrenan su nuevo espectáculo “Windy and warm” (cálido y con viento). El espectáculo toma su título de la canción original de Johnny Dee, popularizada en 1962 por el legendario guitarrista de Tennesse Chet Atkins, en alusión a él y a otros grandes artistas que consiguieron extender de forma brillante el alcance de estos géneros en la música popular, tendiendo puentes entre estilos.

“Windy and warm” es un delicioso viaje musical a través de la música popular de raíces folk/ country/ blues. Voz y guitarras acústicas, las señas de identidad de ambos hermanos, músicos y compositores, son los encargados de interpelar al alma en este personal homenaje, que aúna canciones clásicas significativas con composiciones propias en un mismo hilo conductor: La música como experiencia vital. Sin duda, una nueva ocasión para disfrutar de una de las propuestas con mayor proyección de la actual escena musical. 

7 AGOSTO XXI Noches Jardines del Real Alcázar/ Sevilla (Estreno)

30 AGOSTO XXI Noches Jardines del Real Alcázar/ Sevilla

10 SEPTIEMBRE XXI Noches Jardines del Real Alcázar/ Sevilla

26 SEPTIEMBRE XXI Noches Jardines del Real Alcázar/ Sevilla

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Entrevista: Happy Place Records, diez años dando felicidad rock

"Vivimos en una eterna crisis"

Por: Txema Mañeru 

Poco a poco los sevillanos de Happy Place Records se están consiguiendo una buena cantera de grupos de rock’n’roll en general. La mayoría son de su Sevilla natal, y sus principales representantes, y de quienes tienen un mayor número de referencias, son nuestros adorados Pájaro. También destacados de la ciudad tienen, o han tenido, a Miraflores, Surrounders o Vera Faana. Eso no quita para que cuenten entre sus referencias con otras buenas propuestas capitalinas como Los Saxos del Averno, con algunos guapos singles editados en los últimos meses. Igualmente han hecho su primera incursión internacional con los franceses Fitzgeralds.

En el pasado 2019 nos entregaron los nuevos discos de All La Glory, María Guadaña, Algunos Hombres y Riverboy. Este actual año lo han estrenado con otra novedad internacional pero muy “sevillana” como son La Big Rabia. Por si fuera poco acaban de cumplir una década de ajetreada vida, coincidiendo con la publicación del precioso LP, “Lottogatika” de los Red Passenger que hace poco pasó por estas páginas de El Giradiscos como merecía. Rock instrumental que encantará a los fans del recientemente fallecido Ennio Morricone o de sus destacados paisanos Calibro 35.

Charlamos de todo ello y de su historia reciente con el simpático y simpar Joaquín Aneri.

¿Cuándo o qué grupo, si hubo alguno en particular, os empujó a la hora de crear Happy Place Records? 

Joaquín Aneri: Sí,  lo hubo, es Bikini Red, el grupo de Paco Lamato y Daniel Strombeck, "If You Love me Get Out”  es el título del primer disco que editamos. Eran de la casa, un estudio a  su disposición y a partir de ahí empezamos a trabajar con otras bandas, como los franceses Daddy Long Legs  que se convirtieron con el tiempo en Fitzgeralds , casi al mismo tiempo editamos varios discos: "Frenesí", de Lovely Rita  o Rufus T y su "Going Bananas" , que era uno de los proyectos de Álvaro Tarik antes de convertirse en Summer Spree.

¿Cuáles fueron vuestras primeras referencias y quiénes de ellas siguen aún con vosotros? 

Joaquín Aneri: Son un poco las que mencionaba antes... Rufus T, Bikini Red, Lovely Rita, Daddy long Legs más Whitechapel y su primer disco "Experimental Death", un disco maravilloso de pop. Luego vinieron Pájaro y Raúl Fernandez, co-productor musical junto a Paco Lamato de muchos de los discos grabados en el Studio Happy Place . Surrounders, Pelo Mono, Miraflores, Vera Fauna, La Big Rabia... En el fondo pensamos que seguimos colaborando casi con todos, aunque muchos de ellos no estén en activo o se encuentren disgregados en otros proyectos. Los grupos con los que seguimos trabajando en el sello son Pájaro, All La Glory, Riverboy, María Guadaña, Saxos del Averno, Algunos Hombres, Manuel Armstrong, La BIG Rabia, y recientemente Red Passengers,

Pronto incorporasteis bandas de otras regiones y hasta tenéis alguna representación internacional. ¿Por qué los parisinos Fitzgeralds han sido vuestra primera referencia internacional? 

Joaquín Aneri: Conocemos desde hace años a Manuel Armstrong, el productor, guitarrista y cantante de Daddy Long Legs, antes de ser Fitzgeralds. Es un productor inquieto, que nos ha dejado un disco y un EP, y compagina su papel de productor con estos proyectos. Ahora está preparando un nuevo disco que pronto llevará el sello HPR. Aquí podéis degustar una muestra de su paso en directo en Happy Place Sessions

¿Con qué tiradas os soléis mover más o menos y cuál es vuestro disco más vendido hasta la fecha? 

Joaquín Aneri: En cuanto a las ediciones físicas no tenemos un patrón, cada historia, cada disco o grabación la tratamos de manera diferente, no siempre hacemos vinilos, y las ediciones van de 300 a 1000 en pocos casos, solo con Pájaro hemos reeditado, y siempre edición en CD para promo y venta. Lo habitual en ediciones de vinilo para nuestras referencias oscila en tiradas limitadas entre 300 y 500.

Soléis cuidar vuestras ediciones en cuanto a presentación, art-work y demás. ¿Tenéis algún encargado especial para dicho trabajo o lo dejáis todo en manos de las bandas y les dais plena libertad? 

Joaquín Aneri: Normalmente nos gusta aportar y estar en el proceso creativo, proponemos y en casos como Pájaro,  Pelo Mono o La Big Rabia nos implicamos a tope, y hacer la labor de A&R, eso es lo que nos atrae de esta historia. Hemos producido también videos  y en esa parte también nos gusta estar, tanto como en la de dirección de arte.

La vuelta del vinilo está siendo una buena noticia de los últimos años. ¿Tenéis todas vuestras referencias en vinilo o sólo podéis permitiros sacar algunas de ellas?

Joaquín Aneri: No todo ha salido en vinilo, no siempre han salido singles tampoco, con Bronquio por ejemplo no se ha hecho edición física de su trabajo, han sido todo singles digitales. Muchas referencias están pensadas para editar el disco de vinilo y si no es así, y solo salieran en CD y digital, estamos pensando en la reedición en este formato tarde o temprano.

¿Qué tal fueron las celebraciones de vuestro 10º Aniversario? Creo que en el 5º Aniversario sacasteis hasta algunas camisetas conmemorativas. ¿Se pueden conseguir aún? Indicarnos la manera. 

Joaquín Aneri: La celebración del 10 aniversario se ha aplazado. Este año cumplimos nueve desde que hacemos una fiesta anual en Ronda en la Bodega Descalzos Viejos, coincidiendo con el primer disco de Pájaro, "Santa Leone". Iniciamos la costumbre de presentar las propuestas del sello cada año junto a los vinos de Descalzos Viejos. En esta ocasión estaba anunciada para el 20 de junio pero por razones obvias se ha aplazado sin fecha. Esperamos poder celebrarla pronto.

Creemos que los grandes Pájaro son vuestra referencia principal. En mi opinión por calidad, pero también por cantidad de referencias. Háblanos un poco de la persona y cuéntanos alguna anécdota y recomiéndanos (si puedes) un solo disco de ellos. 

Joaquín Aneri: Pájaro es la banda, y Andrés El Pájaro es la persona que está delante. Lo conocimos en 2011 por Raúl Fernández, entonces guitarrista de Bikini Red. Anécdotas no lo llamaría, porque es continuo, podríamos abrir un capitulo entero, con Pájaro incluso he grabado varios vídeos en los que demuestra que además es un actor fantástico,

Personalmente me encantó el “Roasted Sinner” de Los Saxos del Averno. En los últimos meses nos han traído también algún single espectacular como "Voodoo Shoes". ¿No toca ya disco nuevo para este año? 

Joaquín Aneri: Los Saxos del Averno no paran, prefieren ir lanzando singles y la edición del álbum cuando exista suficiente material. Nos gusta su manera de trabajar, no paran de crear contenido digital y físico, como lo último que han sacado en vinilo single 7”.

Pasemos ahora a la actualidad. El pasado 2019 sacasteis materia tan dispar como All La Glory, con sus sonido cada vez más ochentero, la inclasificable y muy original María Guadaña o unos Riverboy de los que hablan maravillas. Breve recomendación de cada uno de ellos… 

Joaquín Aneri: Con All LA Glory hemos trabajado en su video clip "La Noche silenciosa",  del disco "Fantasma", y en las Happy Place Sessions hemos realizado algunas grabación en directo. Con María Guadaña os recomiendo verlos en directo, ahí está este video, sacado de es este verano pasado en Nocturama. Es muy fácil trabajar con Herminia y sus segadores. Y de Riverboy os recomiendo escuchar estas sesiones en directo grabadas en estudio Happy Place, una maravilla.

Creo que acabáis de añadir otra referencia internacional aunque muy relacionada con Andalucía y con propuestas como Guadalupe Plata o Pelo Mono. ¿Cómo ha sido la entrada de La BIG Rabia y qué puntos destacaríais en su ya quinto disco? 

Joaquín Aneri: Fue por Pedro De Dios (Pelo Mono, Guadalupe), en una estancia en Chile, nos presenta a Sebastián y a Iván (La Big Rabia) y los invitamos a grabar con nosotros, hicieron las maletas y ya son de la casa, tienen otros proyectos activos que pronto verán la luz.

Por cierto que Pelo Mono grabaron un excelente disco homónimo con vosotros pero para su esperada reválida parece que han dado el salto con Everlasting Records. ¿Tenéis contratos con las bandas o les dais total libertad para qué puedan sacar sus discos con quien más les convenga? 

Joaquín Aneri: Las bandas todas tienen plena libertad, no firmamos condenas, los contratos son claros y los acuerdos flexibles, siempre es prioritario el interés del proyecto creativo.

Volviendo a vuestros flamantes grupos locales. ¿Qué sucedió con los prometedores Miraflores? 

Joaquín Aneri: Como otras, fueron proyectos efímeros, experimentos, Emilio está muy cercano a nosotros desde el principio, siempre estuvo relacionado con Happy Place Records de alguna forma, nos hacia notas de prensa y en una de ellas nos habló de Miraflores. No dudamos en apostar por esa mecha que aunque corta ha sido fuerte e intensa, y aún se enciende a veces, ahora sin Emilio en la formación, se han convertido en los Rosarios, y editan los colegas de Discos Desheredados.

También va siendo hora que los psicodélicos Vera Fauna den continuidad a su prometedor “Relieve”… 

Joaquín Aneri: Vera Fauna ya tiene esa continuidad bajo el sello Purple Moon Records y han editado un precioso disco como te conté antes, solo hicimos con ellos ese EP, "Relieve", grabado en nuestro estudio, luego hubo una pausa y regresaron bajo el otro sello ya mencionado.

Me encanta la original propuesta de los Surrounders. No es muy normal un grupo de bluegrass, swing y otras música de raíces americanas por estas tierras en general. ¿En qué andan metidos? 

Joaquín Aneri: Son músicos provenientes de otras muchas formaciones de larga trayectoria en Sevilla, habituales músicos de sesión para diversas grabaciones en el estudio y este es un proyecto que aparece y desaparece. Son unos locos de la Americana Music y expertos en instrumentos de la cultura Alt Country.

“Experimentación y ensayo" de Algunos Hombres me pareció uno de los mejores discos del pasado año y por eso lo he separado del resto de discos publicados por vosotros en 2019. Una preciosa edición en vinilo, por cierto. ¿Qué tal está funcionando? ¿No creéis que bandas así merecerían algo más de repercusión? 

Joaquín Aneri Si, esta es una de esas bandas que no tiene época, van directos a la canción. Pronto aparecerán con nuevo material, aún andan defendiendo "Experimentación y Ensayo", no han tenido tiempo ni lugar de mostrar como se esperaba. Aunque están a punto punto de estrenar video de su canción "Génesis", como segundo single, aún queda por hacer.

Hablando de vuestros grupos vemos que no hay un patrón fijo ni un estilo musical determinado en vuestro sello. Ahora está con vosotros hasta Bronquio, que hizo un trabajo estupendo en el último disco de Kiko Veneno. ¿Cuáles son los criterios para que una banda ingrese en Happy Place Records? 

Joaquín Aneri: Con Bronquio editamos sus primeros videos y singles en plataformas, en su inicio, ahora ha dado un paso adelante y edita sus singles digitales a través de Altafonte. Durante su paso por Happy propiciamos ese encuentro entre Kiko y Santi, y de ahí surgió esa colaboración, luego han venido muchas más por parte de Bronquio y otros artistas.

Eso sí, vemos que todas ellas son bandas que se lo montan muy bien en directo y que tocan a cualquier oportunidad que les surja. ¿Es imposible hoy vender algunos discos (y no digamos ya sobrevivir con esto) sin tocar a menudo y sin ofrecer buenos espectáculos, ¿no? 

Joaquín Aneri: Es primordial esa actividad para mantener la banda y seguir editando discos, excepto casos aparte, que también los hay. Casi todos estos proyectos necesitan se tocados en directo para mantenerse. Es evidente que necesitan los conciertos para vender y generar no ya un sueldo, pero sí al menos el poder mantenerse.

En su día colaborasteis con el gran sello hermano FOLC Records para publicar el disco del tristemente “retirado” Cabezafuego. ¿Alguna otra colaboración más que tengáis hecha o a punto de efectuarse? 

Joaquín Aneri: Una colaboración especial para nosotros ha sido la reedición de los tres discos de Pájaro (“Santa Leone”, “He matado al Angel” y “Gran Poder”) con nuestra distribuidora, y esta tirada de estos álbumes han salido con el sello Gran Sol y HPR, de lo que estamos muy contentos. También, acabamos de editar como dijiste antes la edición física de "Lottogatika"de Red Passenger junto a Movistarsound.

¿Tenéis algún disco o grupo que os habéis quedado con las ganas de publicar? 

Joaquín Aneri: Pues puedo pensar en cientos, pero no estamos en eso... Nosotros editamos lo que nos gusta con mucha ilusión, pero solo lo entendemos desde el punto de vista de qué podemos aportar, e intentamos saber cuándo es el momento de avanzar y potenciar aquello más beneficioso para algunos de esos grupos que nos gustan.

¿Y alguno que os hayáis arrepentido de publicar? 

Joaquín Aneri: Tío, esto no nos ha pasado, de eso no te arrepientes, pero a veces si aprendes...

Nos hemos resistido pero ya no podemos posponerlo más. Sabemos que os hará daño particularmente y también a la música en general. ¿Cómo será vuestra historia post Coronavirus, y la del mundo de la música y de la cultura en general? ¿Parece que vienen tiempos muy duros? 

Joaquín Aneri: Ni idea, vivimos en una eterna crisis. Desde los inicios ya venimos de una económica del 2008 y nosotros seguimos manteniendo y haciendo lo que abarcamos, de ahí que tratemos de adaptarnos y las maneras de trabajar de HPR sean como las de una planta tapizante.  Para empezar estamos pensando en ubicar el cartel de DV+2020 que se iba a realizar el 20 de junio. Vamos a separar las actuaciones en días de aforo limitado a 100 personas, un plan para el verano mientras esperamos la temporada de otoño.

Yo creo que la gestión política de toda esta movida ha sido bastante mala en general, pero especialmente se ha dejado bastante de lado a la cultura. En estos tiempos de confinamiento la gente está leyendo y escuchando más música que nunca. ¿Por qué pueden estar abiertas las librerías, casas de cultura y tiendas de discos entrando de uno en uno, o dos en dos,  si están abiertos los estancos o las pequeñas fruterías? La verdad es que las normas para celebrar conciertos en salas se complican de manera extraordinaria, otra cosa es poder programar pequeños espectáculos al aire libre. El problema lo vemos en el modelo de festival que puede ser el verdadero afectado junto a las salas y clubs, y en consecuencia las bandas de estos circuitos. Por supuesto nos afecta de manera directa, tanto a nosotros como técnicos, runners, managers, producción, seguridad y camareros.

 ¿No se debiera reducir el IVA a la cultura al mínimo para ayudar a salir de esta a la cultura? 

Joaquín Aneri: No solo hay que reducir el IVA a la cultura, en condiciones normales me parecería bien, ahora considero que además necesitamos ayudas extraordinarias. La cultura no ha parado ni puede parar, otra cosa es que siempre se pueda vivir de hacerla.Por supuesto que necesita ayudas.

También queremos que nos contéis, para acabar, qué otros discos o artistas tenéis pensado publicar a lo largo de este duro 2020. 

Joaquín Aneri: Esperamos nuevas propuestas de La BIG Rabia, María Guadaña, Los Saxos de Averno, Fitzgeralds, Algunos Hombres, Riverboy.. Sin fecha fija, todo siempre en su momento y esperando sorpresas.

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